Programa lunes 24 de agosto 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Iniciaremos con un viaje hacia territorios donde el saxofón se convierte en un faro espiritual, desplegando energía abrasadora y calma introspectiva. Continuaremos con un relato confesional que se sumerge en imágenes grotescas y poéticas, atravesando paisajes de vulnerabilidad y humor oscuro. Más adelante nos encontraremos con cantos que invocan lo divino y lo humano, entre tablas palpitantes y coros que elevan la experiencia hacia un trance coral. Cerraremos con un jardín sonoro que transforma lo cotidiano en poesía, y con un rescate vibrante de voces ancestrales que enlazan tradición y modernidad en un mismo pulso.

Artista: PHAROAH SANDERS
Disco: Elevation
Sello: Impulse!
Año: 1974

En este registro, Sanders despliega un lenguaje que oscila entre la intensidad del free jazz y la contemplación espiritual, con piezas extensas que invitan a la inmersión sonora. La apertura con “Elevation” marca un viaje de casi veinte minutos donde el saxofón se convierte en guía hacia territorios de trance colectivo. La interacción con Joe Bonner en piano y Calvin Hill en contrabajo aporta un sostén armónico que equilibra la fuerza abrasiva del viento. Michael Carvin en batería y Lawrence Killian en percusión amplían la paleta rítmica, creando un tejido que se mueve entre lo ritual y lo expansivo. Temas como “The Gathering” y “Spiritual Blessing” refuerzan la dimensión mística, con melodías circulares y texturas que evocan cantos comunitarios. La inclusión de “Ore-Se-Rere”, composición de Ebenezer Obey, abre un puente hacia tradiciones africanas, subrayando la vocación transcultural del proyecto. Aunque menos incendiario que Karma o Thembi, este álbum revela un Sanders más introspectivo, capaz de conjugar fuego y calma en un mismo gesto. Elevation se erige como un testimonio de transición: un cierre de etapa en Impulse! y un manifiesto de búsqueda interior a través del sonido.

Artista: EDWIN R STEVENS
Disco: A Plague of Gimps
Sello: Wrong Speed
Año: 2026

Este disco revela a Stevens en una faceta más desnuda y personal, dejando atrás la exuberancia de proyectos anteriores para centrarse en relatos densos y cargados de imágenes insólitas. La apertura con “I Count the Rain” establece un tono confesional, donde la guitarra eléctrica acompaña versos que rozan lo grotesco y lo poético en igual medida. Canciones como “Cruise Ships” y “Ugly Thing” despliegan un imaginario absurdo que, sin embargo, ilumina las grietas de la experiencia humana. La presencia de viola y violín aporta matices sombríos que refuerzan la atmósfera introspectiva. El álbum funciona como un espejo de pensamientos intrusivos y obsesiones que se transforman en narraciones afiladas, cargadas de humor negro y vulnerabilidad. Stevens se mueve entre la crudeza del blues rock y la delicadeza de un folk distorsionado, logrando un equilibrio que sorprende por su sinceridad. Cada pieza parece abrir una puerta hacia un mundo interior turbulento, pero también hacia una forma de catarsis. A Plague of Gimps se erige como un testimonio de transición emocional, un documento sonoro que captura la fragilidad y la fuerza de un artista en pleno proceso de redefinición.

Artista: NUSRAT FATEH ALI KHAN & PARTY
Disco: Love & Devotion
Sello: Real World
Año: 2026

Este lanzamiento recupera dos registros fundamentales del maestro del qawwali, donde la voz de Nusrat se despliega con un magnetismo que trasciende fronteras culturales. Las piezas de Love Songs revelan un lirismo íntimo, con melodías que oscilan entre la ternura y la exaltación, sostenidas por el diálogo entre armonio y percusión. En Devotional Songs, la intensidad espiritual se convierte en un torrente sonoro que envuelve al oyente en un estado de trance colectivo. La participación de su grupo habitual aporta un equilibrio perfecto: tablas que palpitan como corazones, coros que se entrelazan en un tejido coral y un acompañamiento instrumental que nunca eclipsa la voz central. La reedición en vinilo resalta la riqueza tímbrica y devuelve a estas grabaciones una presencia física que potencia su carácter ritual. Cada tema se erige como un puente entre lo terrenal y lo divino, con versos que invocan tanto la memoria del amor humano como la devoción sagrada. Love & Devotion no solo preserva el legado de Nusrat, sino que lo reactiva para nuevas generaciones, reafirmando su lugar como figura insigne de la música espiritual contemporánea.

Artista: KLEIN VOLK
Disco: In Weelde Verbrast
Sello: Antinote
Año: 2026

El trío formado por Marie Baeke, Timo Bonneure y Wesley Buysse entrega un álbum que se mueve entre la delicadeza y la ironía, con piezas que evocan la vida cotidiana desde un prisma lúdico y surreal. “Ereprijs” abre con un pulso sereno que se transforma en un paisaje sonoro de matices electrónicos y acústicos. “Weidegang” y “Vaandelvlucht” despliegan texturas que oscilan entre lo pastoral y lo urbano, con sintetizadores que sugieren un aire de ensoñación. La brevedad de “Kritisch Nootje” funciona como un interludio juguetón, mientras que “Helmboswuiven” y “Waarvan Akte” expanden la paleta hacia un terreno más hipnótico y contemplativo. La producción de Pascal Deweze y la mezcla de Noah Melis aportan claridad y profundidad, resaltando la interacción entre instrumentos y capas digitales. El álbum se concibe como un jardín sonoro donde conviven la ingenuidad y la reflexión, un espacio que invita a detenerse en los detalles mínimos. In Weelde Verbrast confirma la capacidad de Klein Volk para transformar lo trivial en un acto poético, ofreciendo un refugio sonoro en tiempos de solemnidad.

Artista: BUMP LAM PHLOEN
Disco: Essential Hongthong Dao-udon
Sello: Em
Año: 2026

Este lanzamiento rescata la voz vibrante de Hongthong Dao-udon, cuya interpretación del molam se distingue por un timbre cálido y una expresividad que atraviesa generaciones. Las canciones seleccionadas revelan la riqueza de un repertorio que combina tradición oral con arreglos eléctricos surgidos en los años setenta y ochenta. El álbum ofrece piezas donde el khaen y las percusiones dialogan con guitarras y bajos, creando un puente entre lo ancestral y lo moderno. La energía de temas como “Lam Phloen Sao Na” se equilibra con pasajes más contemplativos, en los que la voz se convierte en un canto hipnótico. La curaduría pone en relieve la dimensión social de estas composiciones, que narran historias de amor, trabajo y comunidad rural. La restauración sonora devuelve frescura a grabaciones que habían permanecido ocultas, otorgándoles nueva vida en vinilo y formato digital. Essential Hongthong Dao-udon se presenta como un documento imprescindible para comprender la expansión del molam hacia audiencias globales, reafirmando la vigencia de una tradición que sigue latiendo con fuerza.
::::::

Programa lunes 17 de agosto 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Iniciaremos con un viaje por ritmos isleños que entrelazan memoria a la vez de resistencia, para luego adentrarnos en un universo electrónico cósmico y ritual. Continuaremos con un diálogo improbable entre épocas, y seguiremos con cantos campesinos que transforman lo cotidiano en poesía. Cerraremos con un collage urbano que refleja la fragmentación digital y un homenaje radical a la improvisación libre.

Artista: Varios
Disco: Léve Léve Vol. 2: Sao Tomé & Principe Sounds 70s-80s
Sello: Bongo Joe Records
Año: 2026

Este segundo volumen abre una ventana hacia la efervescencia musical de Santo Tomé y Príncipe en las décadas de 1970 y 1980, un tiempo en que la independencia recién conquistada se traducía en ritmos que desbordaban energía y esperanza. La compilación rescata la tradición del puxa, género híbrido que entrelaza influencias congoleñas, haitianas, angoleñas, caboverdianas y brasileñas, dando forma a un mosaico sonoro que vibra con la memoria del Atlántico Negro. Las guitarras punzantes y las percusiones sincopadas sostienen himnos de resistencia y celebración, como los de África Negra, cuya canción “Apoiámos a luta dos nossos irmãos” se erige como manifiesto de solidaridad con otros pueblos africanos en lucha contra el colonialismo. En contraste, piezas más luminosas como “Simoa” despliegan un carácter festivo, invitando al baile y al encuentro comunitario. El trabajo de Sangazuza, activo desde 1969, aporta frescura con melodías que oscilan entre la nostalgia y la vitalidad, mientras que grupos como Pedro Lima e Conjunto Popular Os Leonenses o Bulawê N’Guli Fala enriquecen la paleta con voces diversas y texturas rítmicas que reflejan la pluralidad cultural de las islas. La curaduría de DJ Tom B. no solo organiza canciones, sino que también hilvana una narrativa histórica: desde la colonización portuguesa y el comercio esclavista hasta la afirmación identitaria de un país que buscaba su lugar en el mapa cultural del mundo. Cada tema es testimonio de una época en que la música fue herramienta de cohesión, resistencia y alegría compartida. Este álbum no se limita a ser archivo: es un puente entre pasado y presente, un recordatorio de que los sonidos de Santo Tomé y Príncipe siguen latiendo con fuerza, capaces de conmover tanto a quienes vivieron aquellos años como a nuevas generaciones que descubren en estas grabaciones un legado vibrante y universal.

Artista: PAPIRO
Disco: Uscire da Fuori
Sello: Black Sweat / Les Giants Records
Año: 2025

El compositor siciliano Marco Papiro, afincado en Basilea, despliega en este álbum un universo sonoro que se expande entre lo cósmico y lo terrenal. Sus sintetizadores analógicos se convierten en arquitectos de un hiperrealismo artificial, donde cada pieza abre un pasaje distinto: desde ascensos luminosos hasta derivas meditativas que rozan lo místico. Las nueve composiciones se mueven como corrientes cambiantes: “Inonda” fluye con un pulso acuático, mientras “La Statua illuminata” se erige como un monumento de luz suspendida. En “Polso blu” late una tensión eléctrica, y “Tempo di esposizione” captura la fugacidad del instante. La calidez de “La caldaia” contrasta con la serpenteante narrativa de “I serpenti di Andrea”. El álbum no se limita a la electrónica: Papiro incorpora ecos de oboe, flautas de bambú y grabadoras, que se entrelazan con percusiones autónomas, creando un tejido orgánico dentro de la maquinaria sintética. Esa mezcla de timbres sugiere un diálogo entre tradiciones populares y exploraciones contemporáneas, donde lo acústico se convierte en un soplo de aire dentro de la densidad digital. La influencia de músicas afrodelias y andinas se percibe en los giros rítmicos, mientras que la voz y el salterio aportan un minimalismo etéreo que abre espacios de contemplación. Cada tema parece navegar en un mar abierto, invitando al oyente a perderse en visiones que oscilan entre lo ritual y lo futurista. “Uscire Da Fuori” es, en esencia, un viaje hacia lo desconocido: un disco que se atreve a salir de los límites convencionales, proponiendo un tránsito por paisajes sonoros que son tanto introspectivos como expansivos. La obra confirma la personalidad excéntrica y multifacética de Papiro, capaz de transformar la escucha en experiencia sensorial y mental

Artista: PRINCE ISTARI
Disco: Meets Erik Satie
Sello: Istari
Año: 2026

Este proyecto propone un encuentro improbable: la sensibilidad minimalista de Erik Satie trasladada al terreno experimental de Prince Istari. El resultado es un diálogo entre épocas, donde las partituras del compositor francés se reconfiguran en paisajes electrónicos que conservan la fragilidad original, pero la expanden hacia nuevas dimensiones. Los temas se despliegan con un pulso hipnótico, en el que los acordes sencillos de Satie se transforman en estructuras repetitivas que evocan tanto la calma como la extrañeza. La reinterpretación no busca la fidelidad académica, sino la creación de atmósferas que oscilan entre lo contemplativo y lo inquietante. La producción se apoya en texturas digitales que envuelven las melodías con halos de reverberación, generando un espacio sonoro que parece suspendido en el tiempo. Cada pieza se convierte en un ejercicio de contraste: lo íntimo frente a lo expansivo, lo clásico frente a lo contemporáneo. El álbum funciona como un puente entre mundos, capaz de atraer tanto a quienes reconocen la delicadeza de Satie como a oyentes que buscan nuevas formas de exploración sonora. En esa tensión se encuentra su fuerza: un homenaje que no se limita a la nostalgia, sino que abre caminos hacia lo inesperado.

Artista: BANYEN RAKKAEN
Disco: Álbum Compilatorio De Luk Thung
Sello: EM Records
Año: 2025

La voz de Banyen Rakkaen se despliega como un puente entre lo rural y lo urbano, llevando el luk thung tailandés a un terreno donde la memoria campesina se convierte en relato universal. Sus canciones, impregnadas de melancolía y ternura, evocan la vida cotidiana de los campos de arroz, los amores prometidos y las ausencias que marcan el calendario lunar. El tema “???????????????” se erige como un canto nocturno, donde la imagen de la luna llena acompaña el trabajo humilde de hilar algodón, transformando la labor en poesía. En “??????????????????”, la promesa de un encuentro en el tercer mes se convierte en símbolo de fidelidad y espera, con un tono que oscila entre la esperanza y la nostalgia. La producción rescata grabaciones de los años setenta y ochenta, con arreglos que combinan instrumentos tradicionales tailandeses y elementos modernos de la época, creando un sonido híbrido que refleja la transición cultural del país. La cadencia de las cuerdas y los metales se entrelaza con percusiones ligeras, otorgando a cada pieza un carácter ceremonial y festivo. Este disco no solo recupera canciones emblemáticas, sino que también reivindica a Banyen Rakkaen como figura central del luk thung, capaz de transmitir emociones profundas con una sencillez desarmante. Su voz, clara y penetrante, convierte cada tema en un testimonio vivo de la identidad tailandesa, al mismo tiempo que abre espacio para la contemplación universal.

Artista: FELICITY J LORD
Disco: FJL
Sello: Stroom
Año: 2025

El álbum homónimo FJL de Felicity J Lord es un collage conceptual de 26 piezas que se despliega como un experimento sonoro en plena era digital. Bajo un nombre tomado con ironía de una conocida agencia inmobiliaria londinense, el proyecto se concibe como una obra interminable, un juego teatral que funciona como cápsula excéntrica de la vida urbana contemporánea. La propuesta se construye a partir de fragmentos breves y esbozos musicales que se entrelazan en un mosaico de estilos: desde indie?pop ralentizado con guiños a The Sundays, hasta yacht rock, R&B, excursiones electroacústicas y grabaciones de karaoke de bar. Esa diversidad genera un paisaje sonoro que refleja la naturaleza fragmentada y absurda de la cultura digital actual. Escuchar FJL es como desplazarse por un feed infinito, con la sensación de estar dentro de un flujo audiovisual intervenido por un artista de vanguardia. Extraño, íntimo y cautivador, el disco invita a perderse en su laberinto de referencias y texturas. Para quienes buscan experiencias experimentales o cercanas al ambient, este trabajo se convierte en un viaje singular, tan desconcertante como fascinante..

Artista: HANS REICHEL
Disco: Dalbergia retusa
Sello: Black Truffle
Año: 2026

El guitarrista alemán Hans Reichel, conocido tanto por su virtuosismo como por su faceta de inventor de instrumentos, recibe aquí un homenaje a través de una antología curada por Oren Ambarchi. La compilación reúne grabaciones solistas realizadas entre 1973 y 1988, mostrando la amplitud de su exploración sonora y su capacidad para transformar la guitarra en un objeto ilimitado. Reichel, originario de Wuppertal, fue un improvisador radical y un “luthier experimental” que cambió la manera en que se concebía el instrumento. Su legado incluye invenciones como el daxófono, capaz de imitar sonidos animales, pero Dalbergia Retusa pone el foco en su obra como intérprete y compositor. Las 23 piezas seleccionadas revelan técnicas poco convencionales: cuerdas adicionales, puentes móviles, afinaciones alternativas y un uso audaz de objetos cotidianos como slides de vidrio. El recorrido abarca desde el zumbido metálico de “Wenn Das Rohr Dommelt”, extraído de su debut Wichlinghauser Blues, hasta la psicodelia corroída de “Heimkehr der Holzböcke”. Cada registro refleja su habilidad para absorber influencias del folk, el rock y el blues, y devolverlas transformadas en un lenguaje propio. Esta reedición se convierte en un documento indispensable, un eslabón perdido que ilumina la figura de Reichel como pionero y visionario de la improvisación libre.
;;;;;;;;