Programa lunes 16 de noviembre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Abriremos con una institución de Nashville que desnuda sus canciones hasta el banjo y un coro de himnario. Seguiremos con una cantautora que grabó en casete un folk de fantasmas. Luego, dub digital desde Tokio con Bach bailando en los graves; dos compositoras que escriben poemas con el mar; el regreso de un pionero danés de la electrónica soñadora, y cerraremos con cítara y chelo polacos que van del alba al ocaso.

Artista: LAMBCHOP
Disco: Punching The Clown
Sello: Merge / City Slang
Año: 2026

Tras una década de capas electrónicas, autotune y collage, KURT WAGNER hace en el decimoséptimo disco de LAMBCHOP el experimento más radical de todos: ninguno. La chispa vino de la radio, por donde se coló un banjo y un puñado de voces cantando a la manera del lined out singing, un canto de congregación escocés nacido por necesidad, porque no todos los fieles sabían leer y el clérigo debía entonar cada verso antes que el coro. Sobre ese esqueleto, grabado en April Base, el estudio de JUSTIN VERNON, con producción de RYAN OLSON, quedan apenas la guitarra de ANDREW BRODER, el banjo del propio VERNON, un coro de seis voces y la voz gastada de WAGNER. “Just West Of Nicollet” abre con una ráfaga de rap y bronces como identificador de radio, única nostalgia del maximalismo reciente, y enseguida se asienta en el susurro. “Stella” suena a espiritual gospel moderno, con el coro levantándose como marea, y “Punching The Clown”, la canción que da nombre al disco, alterna la cima coral con valles de rasgueo leve. Entre lo sublime y lo cotidiano, versos casi demasiado literales conviven con giros de belleza enorme: la esperanza abstracta de salvación y las pequeñas intimidades de una vida. Mirar el fuego con una cerveza fría en la mano: así de sencillo, así de hondo suena este LAMBCHOP despojado.

Artista: DAGMAR ZUNIGA
Disco: in filth your mystery is kingdom / far smile peasant in yellow music
Sello: AD 93
Año: 2026

En enero de 2025, DAGMAR ZUNIGA, artista estadounidense de madre nicaragüense nacida en Miami, subió a Bandcamp y YouTube un disco grabado durante cinco años en una vieja portaestudio Tascam 424, entre Nueva York, una granja de Noruega y Athens, Georgia. Sin sello ni campaña, las canciones corrieron de boca en boca, superaron las doscientas mil reproducciones y llegaron a PHIL ELVERUM, de MOUNT EERIE, que la invitó de gira; en 2026, el sello londinense AD 93 le dio edición física. Son catorce bocetos y miniaturas que parecen señales interrumpidas: armonías, siseo de cinta, órgano, campanas, flautas dulces vacilantes y pianos fantasmas. Una sola voz se multiplica en un coro de yoes, a veces delicado, a veces severo, y las melodías reaparecen de un tema a otro como mantras. “LN60: Jupiter Opposite Jupiter” es un experimento sin palabras, tambaleante y empapado de siseo. “Plenty For All The Masses” suena como una reunión de voces que armonizan a la distancia, casi una congregación secreta. “Garden”, grabada con HAYES HOEY, se corta de golpe al minuto y medio, como algo excavado de otro lugar, y “Her Master’s Voice” deja la voz y la guitarra directo al oído. Hay aquí algo de VASHTI BUNYAN, de GROUPER, de BROADCAST, y sin embargo nada suena igual: inmensidad hecha con casi nada.

Artista: MERMAID
Disco: Dub Forever
Sello: Beer & Records
Año: 2026

Poco se sabe de MERMAID, salvo que es un productor de Tokio salido de DDM, Dangerous Dance Music, el colectivo ligado a la tienda de discos Los Apson?, y que tiene debilidad simultánea por el reggae más profundo y la música de cámara. Tras el revuelo de su primer larga duración, Dubmaid (2025), este segundo disco mete bajo las mismas sábanas a compañeros de cama que en teoría se excluyen: melodías picantes y bajos rugosos esculpidos en onda sinusoidal. El resultado es dub digital, excéntrico y tierno a la vez, con voces pasadas por autotune, aceleradas como de ardilla o disueltas en eco, y hasta sonidos de insectos, en la estela del Roast Fish, Collie Weed & Corn Bread de LEE PERRY. “Bach Dub” abre con una versión disparatada del Aire en Sol de BACH montada sobre un riddim; “A Nap” es un skank cósmico de botas lunares que invita al baile en cámara lenta, y “Long Ago” retoma en clave más salvaje la melodía tradicional japonesa del primero de enero que antes aparece como “New Year”. Hay también una gavota de GOSSEC del siglo XVIII y ecos de riddims clásicos como “Answer” o el “Tempo” de KING TUBBY. Una edición de apenas quinientas copias que cruza fronteras y épocas sin pedir permiso: dub loco y cariñoso para bailar entre estilos, con la seriedad justa y el humor a flor de piel.

Artista: FÉLICIA ATKINSON & CHRISTINA VANTZOU
Disco: Reflections Vol. 3: Water Poems
Sello: RVNG Intl.
Año: 2026

Dos amigas que viven junto al mar decidieron escribirle poemas. FÉLICIA ATKINSON, francesa, y CHRISTINA VANTZOU, de herencia griega, grabaron este tercer volumen de la serie Reflections de RVNG Intl. en tres lugares cargados de historia: una mansión del siglo XVIII en la isla de Hidra, la Villa Médici de Roma y Les Dunes, el estudio casero de ATKINSON en Normandía. VANTZOU añadió grabaciones de campo hechas en Delfos, junto al antiguo oráculo de la Pitia. El mar no aparece como postal, sino como una persona: una energía, un misterio, un personaje complejo. Teclados suaves, crujidos de sonido encontrado, cantos de pájaros, susurros al borde de lo audible y gárgaras de líquidos procesados arman un sueño lúcido. “Film Still / The Sea” abre con una declaración cinematográfica en el propio título. En “With / You / Movement / Creatures” la voz de ATKINSON pasa al frente sobre sintetizadores, vibráfono y gong que parecen salidos de la música ambiental japonesa de los ochenta. “Shines For Eternity” deja un piano contenido, casi neoclásico, rodeado de zumbidos que evocan procesos corporales tanto como naturales. Lo mítico y lo terrenal se pliegan uno sobre otro, con calma y exactitud; parte de las ganancias va a Arion, programa de conservación del Mediterráneo griego, como si la música devolviera algo de lo que el agua le dio.

Artista: MANUAL
Disco: True Bypass
Sello: Darla Records
Año: 2026

Hace veinticinco años, un adolescente danés obsesionado con el catálogo de Warp, con TORTOISE, BRIAN ENO y SEEFEEL, grababa en su sótano con un par de sintetizadores analógicos, pedales de guitarra, un sampler y una grabadora Fostex de ocho pistas. Ese chico era JONAS MUNK, y su proyecto MANUAL debutó en el sello berlinés Morr Music como una de las voces de la electrónica europea soñadora. Dieciséis años después del último disco, vuelve con True Bypass, que le tomó un año entero de producción y que él mismo describe como explorar un pueblo fantasma: volver a los CD de APHEX TWIN de los noventa y a la electrónica y el post-rock olvidados del cambio de milenio. El resultado es un disco meticuloso, de muchas capas, con ritmos IDM programados al detalle, sintetizadores brumosos y sus características líneas de guitarra, siempre en la tensión entre la luz y la melancolía. “Goldmohn” tiene algo de post-rock, con aroma a TORTOISE y a los primeros EXPLOSIONS IN THE SKY. “Reset” reajusta el pulso con precisión de relojero. “Blue Plateau” flota en nubes de delicias sonoras con un ritmo sutil, e “Iso” insiste en la claridad cristalina. Hay soltura y elocuencia, piel nueva para la vieja ceremonia: el regreso a la luz de un nombre que muchos extrañaban, afinado ahora con la paciencia que dan los años.

Artista: OLGA ANNA MARKOWSKA
Disco: ISKRA
Sello: Miasmah Recordings
Año: 2025

Iskra, en polaco, significa chispa o destello, y el debut de OLGA ANNA MARKOWSKA avanza como una brasa que alguien sopla hasta volverla luminosa. La compositora y multiinstrumentista polaca reunió grabaciones hechas en distintos tiempos y lugares entre 2017 y 2022 y las ordenó como un día completo: comienza en “Dawn”, el alba, y termina en “Dusk”, el ocaso. Entre medio, cítara, chelo, electrónica sutilmente manipulada y, a veces, una voz sin palabras tejen algo que se mete bajo la piel. Es un disco de Miasmah, así que el ánimo suele ser oscuro e invernal, algo así como música folk embrujada de Europa del Este; pero la inspiración en la música antigua se equilibra con calidez ambiental, técnicas de vanguardia y una atención exigente a la textura. “Dawn” abre despacio, como luz que entra por una rendija. “A Heart Is An Eye”, título que parece un aforismo, deja que la cítara y los arcos miren hacia adentro. “Dusk” cierra la jornada con la melancolía de lo que fue y lo que pudo ser. La propia autora habla de un álbum de ignición, un cambio en su manera de pensar la música, que cierra un capítulo mezclando archivo e ideas nuevas. Íntimo y a la vez antiguo, cruza sin esfuerzo la frontera entre lo clásico y lo ambient, y pide presencia a cambio de un pequeño trance, de esos que duran lo que dura una tarde de invierno y dejan, al apagarse, una tibieza difícil de explicar.
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Programa lunes 9 de noviembre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiremos con una compositora que rescata las hilachas de su disco anterior. Luego abriremos un casete de viejas grabaciones con cantos rurales griegos sobre el destierro y la fiesta. Seguiremos con un dúo del dream pop que durmió treinta años en cintas DAT, y con un electrónico inglés que se tiende al sol. Después, folk de paisajes desérticos soñado desde la gran ciudad, y cerraremos a bordo de un tren fantasma.

Artista: JULIA HOLTER
Disco: Materia
Sello: Domino
Año: 2026

Hay compositoras que tiran lo que sobra y otras que, como JULIA HOLTER, vuelven a la mesa de mezcla a recoger las raspas. Materia nace como apéndice de Something In The Room She Moves (2024): cuatro canciones nuevas trabajadas en gira junto a su banda y versiones reimaginadas de material anterior, siete piezas en treinta y cinco minutos. Más pequeño por diseño, el disco disfruta del silencio y deja que las composiciones se adelgacen, se quiebren o se detengan cuando encuentran su forma. “The Laugh Is In The Eyes” abre sobre un compás de cinco tiempos, con silbidos, chillidos y una dicción que parece interrumpir y termina encajando; se vacía en el centro y vuelve a llenarse. “My Lost One”, inspirada en libros infantiles de rimas inquietantes y sílabas sin sentido, avanza sobre arpegios de caja de música y un bajo que suena entre cuerda frotada y caramelo derretido, hasta un final radiante en que HOLTER repite en bucle “I leave my dove, my lost one”. “Fantasy” es casi inquietante de tan controlada: se llena de elementos y luego los retira uno por uno. Flautas que parecen robadas de una sesión de jazz, bajo sin trastes, percusiones que recuerdan el pop barroco de los sesenta y ecos de BRIAN ENO, TERRY RILEY y RYUICHI SAKAMOTO se cruzan en un sueño lúcido. Materia prueba que los márgenes también guardan tesoros, y que una idea descartada puede tener todavía mucha vida por delante.

Artista: VARIOS (GEORGIA MITTAKI, SOTIRIA VASILEIOU y más)
Disco: Curse You, Foreign Lands
Sello: Death Is Not The End
Año: 2026

Canta GLYKERIA ZOUMPA: maldita seas, tierra extranjera. De ese lamento por la xenitiá —el exilio, la emigración, la ausencia del que partió— toma su nombre este casete de Death Is Not The End, el sello londinense que desde hace una década desentierra grabaciones antiguas sin limpiarles el polvo. Catorce piezas de demotiká, la música rural griega, registradas entre fines de los años treinta y mediados de los cincuenta, con improvisaciones pentatónicas que se elevan, ritmos de compases irregulares y voces que van del llanto desgarrado al júbilo. GEORGIA MITTAKI, una de las grandes voces del canto popular de preguerra, desliza con gracia ágil “????? ???’ ??????????”, el deseo de una muchacha valaca de las montañas. SOTIRIA VASILEIOU encarga en “???? ???? ??? ??? ??????” que la madre lleve un recado a Yannis, y VAIOS MALLIARAS canta “? ?????????”, el amaranto, flor que en la tradición no se marchita. Alrededor, clarinetes que lloran, violines, laúdes y panderos; el crujido de la pizarra es parte del paisaje. La portada adapta una acuarela de Edward Lear de 1857, un pueblo de Epiro colgado de la montaña. No hay aquí restauración pulcra ni afán de museo: son voces que viajan desde aldeas y cafés hasta nuestros oídos con la aguja todavía rascando, prueba de que la muerte, efectivamente, no es el final.

Artista: INRAIN
Disco: Rise
Sello: Music From Memory
Año: 2026

A comienzos de los noventa, Geoff Travis, el hombre detrás de Rough Trade, presentó a RUDY TAMBALA, de A.R. KANE, y a ALISON SHAW, de CRANES. Dos bandas que a fines de los ochenta habían abstraído el pop hasta darle nombre al dream pop; dos personas que, lejos de las expectativas de sus grupos, se encerraron varios meses en H.Ark! Studios, en Stratford, al este de Londres. De esas sesiones salió un único siete pulgadas en 1991 y poco más; hoy Music From Memory lo rescata, remasterizado desde las cintas DAT originales y con un tema de 2012, “Biology”, como epílogo. Muestreo temprano, cajas de ritmo, guitarra acústica y voz, usados con cuentagotas: el espacio aquí es un instrumento más, y las voces muchas veces improvisadas quedaron en primera toma. “Grow” casa el rasgueo acústico con repiques eléctricos catárticos. “…And Julie Rose” es una canción de cuna suelta, con la voz aniñada de SHAW flotando sobre una especie de música de ascensor romántica. “Sleep” es una deriva lenta de guitarra punteada y susurros lejanos. Imaginen a COCTEAU TWINS a media velocidad y una voz juvenil apenas más sombría: por ahí anda este cuarto de hora mínimo, con sombras de jungle y dub en los graves, que mira hacia atrás sin dejar de soñar hacia adelante: un secreto bien guardado que por fin sale a la luz, treinta y cinco años después.

Artista: PYE CORNER AUDIO
Disco: More Songs About The Sun
Sello: Sonic Cathedral
Año: 2026

Durante años, MARTIN JENKINS construyó con el nombre de PYE CORNER AUDIO una electrónica de pasillos en penumbra, hecha de cintas gastadas y sintetizadores fantasmales. Con Let’s Emerge! (2022) empezó a asomarse a la superficie, y este segundo disco para Sonic Cathedral, secuela declarada de aquel, se tiende derechamente al sol. La consigna fue empapar todo de distorsión y saturación, pero sin reventar amplificadores: un calor que se siente en la piel más que en los oídos. ANDY BELL, guitarrista de RIDE y de OASIS, presta sus guitarras de shoegaze y psicodelia en cuatro de los doce temas. “Euphoria” abre con un balearic de ojos entrecerrados; “Cycle”, primer sencillo, avanza sobre un bajo electro y es quizás lo más pop que JENKINS haya firmado, con él mismo al micrófono. “The Race Is Run” corre en otra dirección, y “As We Begin” vuelve a juntar sintetizador y guitarra para mirar hacia adelante. En el camino aparece el novelista escocés IAN RANKIN recitando un monólogo sobre un pulso de persecución ochentera. STEREOLAB, SPACEMEN 3, HARMONIA, CLUSTER y SUICIDE rondan como influencias confesas. Hay sombra, claro —hace falta para apreciar la luz—, pero el hilo que une las piezas es un optimismo casi terco, obstinado en tiempos oscuros: canciones para cerrar los ojos de cara al cielo y dejar que la tibieza haga lo suyo.

Artista: IVY KNIGHT
Disco: Iron Mountain
Sello: Scenic Route
Año: 2026

Criada en Oakland y radicada en Brooklyn, IVY KNIGHT llega a su primer larga duración después de dos EP, y lo hace mirando hacia un lugar donde nunca vivió: los paisajes áridos del suroeste estadounidense, rocas rojas, cañones, faros en el desierto. Es la mirada de una soñadora de ciudad que se inventa un mundo para hundirse en él, recordando memorias que parecen transmitidas desde generaciones pasadas, con melodías folk y viejas baladas de sendero de fines de los cincuenta. Detrás de la consola está DEER PARK, productor que ha trabajado con ECCO2K, FAKEMINK y EVILGIANE, y que aporta una capa contemporánea reducida, abierta, levemente inquietante. “Headlamp”, escrita en el invierno de 2023, abre con un banjo destacado y la voz suave de KNIGHT, pensando en recuerdos que pasan por el espejo retrovisor a los que se les dice gracias. “Deep Blue” cambia el ocre por el azul profundo que anuncia su título, “Swimming In Blood” es una balada atmosférica que se queda flotando aunque su letra sea difícil de asir, y “Red Rock” nombra la tierra rojiza de ese desierto imaginado. El título guarda una ironía: Iron Mountain es el nombre de un centro de datos, tema de la tesis que la autora escribía sobre sus efectos en el clima. Folk espectral, íntimo sin ser distante, en la estela de JOANNE ROBERTSON, CAT POWER o ML BUCH.

Artista: CHRIS WATSON
Disco: El Tren Fantasma
Sello: Touch
Año: 2011

En enero de 1999, CHRIS WATSON subió como sonidista de la BBC a uno de los últimos trenes de pasajeros de los Ferrocarriles Nacionales de México, rumbo a la serie Great Railway Journeys. Durante un mes cruzó el país de costa a costa, de Los Mochis, en el Pacífico, a Veracruz, en el Atlántico, atravesando la Sierra Tarahumara y el espinazo del país. Ese servicio ya no existe, y el monte ha vuelto a tragarse buena parte de las vías; lo que queda es este viaje acústico reconstruido con grabaciones de archivo. “La Anunciante” abre el recorrido como una voz que llama a subir, y en “El Divisadero”, el mirador sobre las Barrancas del Cobre, la bocina de la locomotora pasa rugiendo antes de disolverse en un zumbido grave, como si el tren se volviera jinete fantasma en el cielo. Chirridos de acero, el ritmo de las ruedas sobre los rieles, pájaros, insectos, voces de estaciones y mercados: WATSON, que fue fundador de CABARET VOLTAIRE y THE HAFLER TRIO antes de dedicarse a registrar la naturaleza, crea profundidad y espacio donde otros solo verían ruido. El tren aparece como un intruso humano pero antinatural, un gigante metálico que traquetea por el paisaje, y también como memoria de una proeza de ingeniería. Homenaje, documento y mapa del alma: música concreta que se escucha con los ojos cerrados.
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