Programa lunes 26 de octubre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Arrancaremos con el cierre de una trilogía orquestal tejida al ritmo de un río, cuerdas y sintetizador dialogando como estaciones. Cruzaremos después una despedida íntima, voz hablada y electrónica pausada entre dos generaciones de una misma familia. Nos detendremos en un archivo caribeño para recorrer tres costas del calypso, y en el giro inesperado de una saxofonista que cambia el viento por la cuerda. Cerraremos con un coro minero de Alabama y la orfebrería minimalista de un guitarrista berlinés.

Artista: FLORE LAURENTIENNE
Disco: Volume III
Sello: Secret City Records
Año: 2026

Con Volume III, el quebequense Mathieu David Gagnon cierra, tras siete años de trabajo, la trilogía que abrió en 2019 rindiendo tributo al colectivo L’Infonie. El disco toma el curso del río San Lorenzo como columna vertebral: los mismos acordes reaparecen una y otra vez, reordenados, como si el agua cambiara de cauce sin dejar de ser la misma. Un cuarteto de cuerdas, dos teclados, percusión, arpa y el Minimoog de Gagnon construyen un puente entre la claridad melódica de Bach, el ímpetu narrativo del prog de King Crimson y el minimalismo electrónico de Hans-Joachim Roedelius. “Fleurs” abre con pizzicati de aire impresionista, como una semilla que germina y florece antes de marchitarse; “Fleuve VII” tiende un diálogo entre piano y orquesta que funciona como eje conceptual del álbum. El compositor, tres veces ganador del Félix y con nominación al JUNO, ya había sonado en la película francesa Nino y en una campaña de Louis Vuitton. Escuchado junto a sus dos volúmenes previos, Volume III confirma una mirada genuina hacia los ciclos de la naturaleza y el paisaje canadiense.

Artista: PHILIPPE LAMIRAL POIRIER & ROMÉO POIRIER
Disco: Images parlées
Sello: Autoedición
Año: 2026

Este disco nace de una pérdida: Philippe Lamiral Poirier, pintor, cineasta y cofundador del grupo Kat Onoma junto a Rodolphe Burger, murió en abril de 2025. Su hijo Roméo Poirier, baterista devenido productor de música ambient, recuperó las palabras habladas de su padre y las envolvió en una producción que recuerda al trip-hop de los noventa pulido hasta la calidez de un bar de jazz de sótano. “Vertigo”, “L’autoportrait” y “Trop de lumière” alternan muestras de archivo familiar, ritmos electrónicos tenues y ecos de chanson, hip-hop, jazz y blues, con esa textura cinematográfica que remite al cine parisino clásico. El álbum se publicó junto a un libro de pinturas del propio Philippe, Images traversées, en un diálogo simultáneo entre texto, imagen y música que padre e hijo ya habían ensayado en 2020. Más que un homenaje póstumo, Images parlées funciona como una conversación suspendida: canciones más habladas que cantadas, que celebran una vida creativa larga y diversa mientras la despiden.

Artista: VARIOS
Disco: Calypso, Musical Poetry in the Caribbean 1955-69
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2026

Agotada durante una década, esta compilación de Soul Jazz Records vuelve ahora en vinilo verde translúcido para recordar que el calypso nunca fue un fenómeno único, sino una red de costas hermanas. Diecinueve pistas trazan el mapa: desde Trinidad, cuna del género y de calypsonians que funcionaban como los griots de África Occidental, comentando política y vida cotidiana con ingenio y humor; hasta Londres, donde Lord Kitchener y Lord Beginner desembarcaron en 1948 a bordo del Windrush. “Man On the Moon” y “Negro Heart”, de Lord Cobra y Los Pana Afros, llegan en realidad desde Panamá: el cantante, rescatado del olvido por la serie Panamá! de Soundway, tardó casi cuarenta años en ser reconocido fuera de la costa atlántica istmeña. “Jamaica Is the Place to Go”, de Charlie Binger & His Quartet, representa en cambio el mento jamaiceño de finales de los cincuenta, emparentado con Lord Tanamo y Count Lasher. La propia Rolling Stone incluyó este disco entre las mejores reediciones del año en que apareció por primera vez.

Artista: ZOH AMBA
Disco: Eyes Full
Sello: Matador Records
Año: 2026

Zoh Amba dejó el saxofón de vanguardia —el que la unió a Chris Corsano, Bill Orcutt y William Parker en tres discos de free jazz— y volvió al instrumento con el que había empezado de niña en Tennessee: la guitarra. Eyes Full, su debut como cantautora en Matador, nació de una crisis en escena durante su última gira europea de saxofón, cuando la hostilidad del público le provocó un quiebre; esa misma noche llegó la oferta del sello para grabar este material nuevo. Grabado en vivo en Drop of Sun Studios, Asheville, junto al baterista Jim White y el guitarrista Kevin Hyland, el álbum se mueve entre el folk apalache y un blues sureño turbio, con ecos del costado más áspero de Big Thief. “Another Time” abre con un gancho melódico certero; “Dead End Street” es un rocker arrollador sobre la vida en pueblos chicos; “Weed Eating” construye un estudio de personaje notable, y “Smile With Your Eyes” cierra con motivos circulares de folk-rock. Trece canciones sobre identidad sureña, fe y familia, con el sol como símbolo recurrente de la alegría de estar vivo.

Artista: THE STERLING JUBILEE SINGERS
Disco: Jesus Hits Like the Atom Bomb: Gospel Quartet Singing in Jefferson County, Alabama
Sello: Death Is Not The End
Año: 2026

En 1929, obreros siderúrgicos de la planta U.S. Pipe de Bessemer, Alabama, formaron un cuarteto vocal a capela bajo la tutela del maestro de canto Charles Bridges. Casi un siglo después, sus grabaciones de campo —producidas originalmente por la Alabama Folklife Association, con notas del investigador Doug Seroff— resurgen de la mano del sello británico Death Is Not The End. El condado de Jefferson es, según la propia investigación de Seroff, el corazón de la tradición de cuarteto gospel negro estadounidense: sus armonías cerradas y bajos rítmicos, el llamado Birmingham Sound, tendieron un puente directo hacia el doo-wop de los Ink Spots, los Platters y los Temptations. El tema que da título al disco tiene su propia historia: el cantante principal, John Alexander, lo aprendió al escuchar a The Pilgrim Travelers en Birmingham durante los años cincuenta, aunque la canción se grabó por primera vez en 1952 para Decca, apelando a la ansiedad atómica de la Guerra Fría como metáfora de una conversión religiosa instantánea. Los Sterling Jubilee Singers, además, mentorearon a los más recientes Birmingham Sunlights, prolongando una continuidad que ya lleva más de cien años.

Artista: F.S.BLUMM
Disco: Wellen Formen
Sello: Leiter
Año: 2026

Frank Schültge, más conocido como F.S.Blumm, lleva desde 1998 construyendo lo que su sello resume en una frase: “propuestas pacíficas”. Formado en guitarra clásica en Bremen y radicado en Berlín desde 1997, el músico partió de las ruidosas raíces de Sonic Youth y los Melvins para desembocar en un minimalismo de raíz folk que lo llevó a colaborar durante más de una década con Nils Frahm en el sello Sonic Pieces, y a formar los dúos Bobby & Blumm y Sack & Blumm. Wellen Formen, grabado en la Saal 3 y publicado por Leiter como continuación directa de Torre (2024), reúne once piezas —entre ellas “Feen”, “Regen Regen Warte Ab” y “Glocken”— construidas con su característica colección de instrumentos poco convencionales. Líneas melódicas extensas, timbres acústicos y atmósferas esculpidas con delicadeza dan forma a una música de cámara contemporánea que nunca pierde el pie en el minimalismo, y que Blumm concibe como un contrapunto artístico al bienestar social y la calidez humana frente a la desconexión del mundo actual.
:::::

Programa lunes 19 de octubre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Abrimos esta edición con el regreso al castellano de una cantautora estadounidense, en clave de amapola y desierto almeriense. Seguimos con el Londres de los noventa, cuando el dancehall jamaicano se fundió con el breakbeat para dar a luz al jungle. Después rescatamos voces otomanas de discos de goma laca de comienzos del siglo pasado, cantos de separación y añoranza. Un veterano del post-punk danés convoca luego a dos voces jóvenes para revivir un clásico de 1981. Después un productor mexicano disuelve sus certezas rítmicas en un pop indie psicodélico editado desde Uganda. Cerramos con un estallido cósmico autogestionado desde el sur de Chile.

Artista: JOSEPHINE FOSTER
Disco: Adormidera
Sello: Nyahh Records
Año: 2026

Josephine Foster regresa al castellano en “Adormidera”, continuación de un vínculo artístico sostenido durante años con el guitarrista español Víctor Herrero, con quien ya había firmado dos discos íntegramente en español y compartido el trío Mendrugo. Esta vez los roles se invierten: es Herrero quien cede siete piezas de su propio catálogo —tres del proyecto “Hermana” de 2020 y cuatro de “Estampida” de 2013— para que la cantautora de Colorado las habite con su voz. Grabado en Níjar, en pleno desierto almeriense, el disco respira esa geografía árida: un ingeniero de sonido que decidió conservar el aire entre los instrumentos en vez de rellenarlo, y una masterización que prolonga esa calidez etérea hasta el final. El resultado cruza folk apalache casi espectral con un romanticismo ibérico que roza la nueva canción latinoamericana sin rendirse del todo a ninguna tradición. “Adormidera” abre el disco con paciencia antes que urgencia; “Avellaneda” avanza con una reverencia contenida que rehúye el dramatismo fácil; “Hermana” se sostiene sobre una ambigüedad armónica dulce y enigmática que no termina de revelarse en una sola escucha. Ninguno de los dos intérpretes busca protagonismo sobre el otro, y de ahí nace una intimidad que no se quiebra pese a su fragilidad.

Artista: VARIOS
Disco: Rumble in the Jungle
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2007

A finales de los ochenta, el Reino Unido ya escuchaba reggae y dancehall a través de sus propios sound systems, herederos de la cultura de patio jamaicana trasplantada por la diáspora caribeña. Cuando el acid house y el breakbeat hardcore explotaron, ese vocabulario —bajos profundos, samples vocales, el ritual del rewind— se filtró en los primeros productores de rave, y hacia 1992 el término “jungle” ya circulaba. Esta compilación de Soul Jazz Records reconstruye ese linaje, reivindicando el dancehall ochentero como raíz genealógica del género y no como influencia lateral. THE RAGGA TWINS, los hermanos Flinty Badman y Deman Rocker, construyeron su propio sound system desde la adolescencia antes de cruzar hacia el sello Shut Up and Dance, donde trasladaron el rewind jamaicano a la pista rave; “Ragga Trip” es un comentario socarrón sobre la cultura de las drogas en el acid house. ASHER SENATOR llega desde el toasting clásico ochentero de Fashion Records: su “One Bible” samplea pasajes bíblicos como puente entre la entonación religiosa del deejay jamaicano y el breakbeat acelerado. Y “Incredible”, de M-BEAT WITH GENERAL LEVY, reciclando vocales previas de Levy, fue el primer tema de jungle en entrar al top 10 británico, hito que generó fricciones dentro de una escena incómoda con su propia exposición mediática.

Artista: VARIOS
Disco: The Pain of Separation – Turkish Gazels 1926-1935
Sello: Death Is Not The End
Año: 2026

Entre las ruinas administrativas del Imperio Otomano y los primeros años, ásperos y reformistas, de la República turca, un puñado de voces quedó capturado en discos de goma laca a 78 revoluciones por minuto. Esta compilación del sello británico Death Is Not The End reúne catorce de esas grabaciones hechas entre 1926 y 1935, justo cuando la nueva república prohibía la enseñanza de música tradicional y vetaba su transmisión radial: paradójicamente, sobrevivieron gracias al mercado discográfico privado. El género que da título al disco, el gazel, es canto solista sin métrica fija, equivalente vocal del taksim instrumental, que improvisa versos de raíz sufí sobre la arquitectura modal del makam, ornamentando la línea con melismas y quiebros que dramatizan el texto de separación y añoranza. HAFIZ SADETTIN KAYNAK, hafiz y compositor prolífico formado como recitador coránico, aporta el tema homónimo desde la doble autoridad de su oficio religioso y musical. HÂFIZ BURHAN, una de las voces de gazel más populares en disco de su generación, firma “Everywhere is Darkness”, lamento existencial típico del género. De TARSUSLU ABDÜLKERIM, tercer intérprete, queda poca información más allá de su gazel en rast “I Waited for So Many Nights”, testimonio frágil de una voz que de otro modo se habría perdido.

Artista: BLEEDER
Disco: Marble Station
Sello: Escho Records
Año: 2026

Bajo el nombre BLEEDER se esconde Peter Peter, veterano de la escena punk y new wave de Copenhague desde los noventa, cuya banda le prestó el título a una película de Nicolas Winding Refn antes de que este se consagrara como cineasta de neones y violencia estilizada. Que Peter Peter haya terminado componiendo bandas sonoras —entre ellas la de “Pusher” y la de “Valhalla Rising”— no es casualidad: su música siempre tuvo algo de cine. Este EP de cuatro canciones convoca a dos voces de generaciones distintas: Majke Voss, que como Broken Twin publicó discos delicados en Anti-, y Elias Rønnenfelt, frontman de Iceage. El corazón conceptual del disco es su tema título: no una composición original, sino una relectura de un sencillo de Sort Sol editado en 1981 por 4AD, convertido aquí en dúo entre Voss y Rønnenfelt, dos timbres que dialogan más que se funden. El resto del tracklist confirma esa vocación de puente generacional, con versiones de Lydia Lunch y de la casi desconocida Fifty Foot Hose. “Boy/Girl” juega con la ambigüedad desde el título, y “Here Come the Dead” cierra el recorrido como epílogo entre lo fúnebre y lo teatral.

Artista: ANSIEDAD1000
Disco: Abizzzmo
Sello: Hakuna Kulala
Año: 2026

Hay un momento en la carrera del productor mexicano Tony Gallardo —conocido sobre todo por su alias María y José, ligado a la escena tribal guarachero— en que decide disolver las certezas rítmicas que lo hicieron reconocible. Ese quiebre cristaliza en ANSIEDAD1000, y “Abizzzmo” es su declaración más ambiciosa: doce piezas que cambian las mutaciones reggaetoneras por un pop indie panorámico, ansioso y psicodélico, editado por Hakuna Kulala, la costilla de baile excéntrica del colectivo ugandés Nyege Nyege Tapes. El resultado suena como arqueología emocional en capas: guitarras saturadas fundidas con sintetizadores de neón, distorsión shoegaze y un velo lo-fi, con ecos directos de Brian Wilson —hay un sampleo explícito de “Pet Sounds”— cruzados con una arista industrial y una identidad latinoamericana que nunca desaparece del todo bajo el ruido: la cumbia sigue latiendo en el fondo. El tema homónimo abre el disco marcando atmósferas antes que estribillos. “Raraz Nochez” se celebra por su carácter juguetón, casi una píldora de hechizo sonoro. “Sunny en mi Cabeza” ocupa un lugar temprano en el tracklist e ilustra el giro hacia la ternura confesional que domina el disco, con melodías agridulces asomando entre la fuzz.

Artista: BANANA CAIMÁN
Disco: Planeta Caimán
Sello: Vacio Studios
Año: 2026

Tras cuatro años de composición, Banana Caimán, formado por Ignacio Fritis, Jorge Fritis y Martín Westermeyer, presenta Planeta Caimán, su álbum debut y primera declaración de identidad como banda. El disco nace durante un período de transición, atravesado por cambios, incertidumbres y esa extraña energía de estar dejando atrás una etapa mientras comienza otra. Con el funk como principal inspiración, Planeta Caimán apuesta por un sonido enérgico y dinámico, donde el groove funciona como hilo conductor. El propio título propone entrar a un espacio particular (Planeta Caimán), un universo construido por la banda donde esas experiencias, ideas y cambios toman forma a través de las canciones.
Banana Caimán venía moviéndose en el under con una serie de lanzamientos breves y directos: el EP “Perro Bomba Atómica” en 2022, el sencillo “Ilusión” en 2023, y ya en 2025 un salto a formato en vivo con “En Vivo UdeC”. “Planeta Caimán” llega como su álbum de mayor aliento hasta ahora, nueve canciones entre las que destaca “Supernova”, el tema que sonará hoy: un título que sugiere estallido y luz, coherente con la imaginería planetaria que da nombre al disco entero.