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Programa lunes 16 de agosto de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Quedé enganchado del filósofo Alan Watts desde la primera vez que utilizaron algún extracto de sus charlas en alguna canción y aquí pasa cosa similar, luego seguiremos con otra de las colaboraciones de ese genio que es Kieran Hebden (Four Tet). Nos saltamos luego a un arquitecto japo que dejó una gran senda a seguir en el ambient hecho en Japón. Berlín se merece uno y mil documentales y la música que mostraremos es de uno de ellos. De Berlín a Gáles es el salto que nos pegaremos y cerraremos con una banda postpunk de las muy poco conocidas.

Artista: GIA MARGARET
Disco: Mia Gargaret
Sello: Orindal Records
Año: 2020

Del sitio https://www.binaural.es: “Dos años atrás, cierto tipo de indeterminada enfermedad privó a Gia Margaret de voz durante aproximadamente medio año. Como respuesta a esta dura tesitura, y sin dejarse llevar por el derrotismo, Margaret reconectó sus sintetizadores y se aventuró a componer un nuevo álbum centrado casi al 90% en música instrumental. De esto crudo e introspectivo ejercicio creativo surgió «Mia Gargaret«, un curiosísimo y necesario trabajo orientado hacia los sonidos ambient que la de Boston ha anunciado esta misma tarde. «Me dejó como si fuese un esqueleto de lo que soy» – clarifica la creadora de uno de nuestros discos favoritos de 2018 al hablar sobre la enfermedad que le dejó musicalmente mermada. «Por ello me centré en mi sintetizador para dar con cierto sentimiento de confort. Estas composiciones me ayudaron a sostener mi identidad como compositora. En su momento, esta música también me sirvió para combatir la ansiedad. Lo hizo más que cualquier tipo de terapia«.

Artista: MADLIB
Disco: Sound Ancestors
Sello: Madlib Invazion
Año: 2021

Del sitio https://jenesaispop.com/ : “Madlib es conocido por sus proyectos de hip hop colaborativos con el recientemente desaparecido MF Doom, J Dilla o Freddie Gibbs, pero cuenta también con una extensa discografía firmada en solitario, incluido su interesante alias Quasimoto. Sin embargo, aunque ‘Sound Ancestors’ se añade a este último grupo, el disco es un trabajo elaborado a dos manos con Kieran Hebden, es decir, Four Tet, quien ha supervisado el proyecto para arreglar o editar las canciones a su gusto. La obra de Madlib ha solido ser una verdadera «delicatessen» para los amantes del hip hop más artesano y basado en samples, y ‘Sound Ancestors’ no es una excepción. Si ‘Madvillainy‘ evocaba escenas de un mundo urbano distópico y contaminado, rodeado de edificios pringados de residuo radioactivo y de ratones huyendo de un lado a otro, ‘Sound Ancestors’ es un trabajo ligeramente más introspectivo y claustrofóbico, pero también muy interesante por los diversos samples, sonidos y estilos que emplea. Madlib, que se considera DJ antes que productor y rapero, es todo un arqueólogo y archivista sonoro.

Artista: HIROSHI YOSHIMURA
Disco: Green
Sello: Light In The Attic
Año: 1986

En 1967, el compositor y filósofo canadiense R. Murray Schafer escribió: “El oído siempre está abierto”. No quiso decir metafóricamente: a diferencia del ojo con párpado, el oído no puede cerrarse a estímulos no deseados, dejándonos particularmente susceptibles a los sonidos intrusivos. La observación de Schafer volvió a aparecer en las notas del primer álbum de Hiroshi Yoshimura, Music for Nine Postcards de 1982, una banda sonora ambiental contemplativa compuesta para el Museo de Arte Contemporáneo Hara de Tokio. Haciéndose eco de la preocupación de Schafer por el volumen creciente del mundo industrializado, Satoshi Ashikawa, cuyo sello Sound Process lanzó por primera vez el álbum de Yoshimura, escribió: “Actualmente, los niveles de sonido y música en el entorno han excedido claramente la capacidad del hombre para asimilarlos y el audio. El ecosistema está empezando a desmoronarse”. Fomentando una “actitud más consciente” hacia el sonido, ofreció la música de Yoshimura, delicadas figuras de Rhodes que trazaban sombras pastel, girando en espiral tan sin rumbo como un móvil que giraba lentamente en una habitación grande y vacía, como una especie de paliativo.
Yoshimura, que murió de cáncer en 2003, fue un erudito por excelencia: compositor, diseñador, historiador. La mayor parte de su trabajo existía en la superposición entre el sonido, la arquitectura y la vida cotidiana, incluidas las instalaciones y el trabajo encargado para museos, hoteles, pasarelas, un acuario, un estadio deportivo, los sistemas de metro de Tokio y Kobe y el Aeropuerto Internacional de Osaka. Las actividades de Yoshimura lo convirtieron en una de las figuras centrales del kankyō ongaku, o música ambiental, un estilo de cosecha propia que se basó en la “música de muebles” de Erik Satie y las investigaciones ambientales de Brian Eno, así como tradiciones rituales centenarias, para dar forma a un nuevo tipo de Sonido específico para un sitio especialmente adaptado al boom económico de la posguerra en Japón.

Artista: THOMAS FEHLMANN
Disco: Gute Luft
Sello: Kompakt
Año: 2021

Del sitio http://www.camarafm.com “Comenzar el día trotando a lo largo del río Spree. Desayunar en el Café Einstein. Darse una pasada por el zoológico. Tratar de conseguir una mesa en Nola’s. Entrar al museo judío. Conocer la ciudad desde arriba en el tren elevado S-Bahn. Disfrutar de la bebida local en alguno de sus muchos jardines cerveceros. Comer otro poco en Paris Moskau. Y pasar el resto de la noche de bar en bar, de discoteca en discoteca, hasta que el amanecer lo encuentre a uno en el Viktoriapark. Eso es lo que nos propone el sitio web Essentialtravel.co.uk, si es que llegamos a tener tan sólo 24 horas para recorrer Berlín. Dos décadas después de la caída del Muro y de la llegada de la democracia al lado este de la gran capital alemana, Thomas Kufus y Volker Heise conmemoran el acontecimiento con un documental llamado “24h Berlin- A Day in the Life”, que captura un día entero en la vida de esta contrastante, diversa y hermosa ciudad. Thomas Fehlmann, un berlinés por adopción, ha colaborado con parte de la banda sonora de este ambicioso documental, y parte de esos sonidos han sido incluidos en Gute Luft. Electrónica definitivamente alemana en las expertas manos de un suizo”. Gute Luft es un tratado de ambient gaseoso y dub techno berlinés que demuestra que su paso por The Orb no fue en vano.

Artista: IRENA AND VOJTECH HAVLOVI
Disco: Melodies In The Sand
Sello: Melody As Truth
Año: 2021
https://melodyastruth.bandcamp.com/album/melodies-in-the-sand

“Melodies In The Sand” es una introducción a las obras del dúo de marido y mujer checos Irena y VojtÄ›ch Havlovi. Su trabajo en conjunto se remonta a mediados de los años ochenta cuando eran miembros de la banda experimental Capella Antiqua E Moderna, y en una carrera discográfica que continúa hasta el día de hoy, han aplicado constantemente técnicas inventivas a una variedad de modos de composición, desde una especie de contemporáneo modo clásico / ambiental que hasta una música de cámara más romántica y endeudada con Brahms. “Entretejidas hebras de música ambiental, folk experimental, música antigua y clásica moderna, las composiciones de la pareja son resonantes y profundamente conmovedoras. La instrumentación se limita principalmente al piano y la viola.”

Artista: POP NEGATIF WASTAD
Disco: Pop Negatif Wastad
Sello: Central Slate Records / Musique Plastique
Año: 1989 / 2020

Del sitio http://elcaunegre.blogspot.com “Un clásico muy (y mucho) olvidado; hace un par de meses aproximadamente colgamos un vídeo de este grupo compuesto por una pareja de algún lugar de Gales (esta información es una deducción personal, ya que en el insert consta que se fabricó en UK pero la discográfica se fundó en el norte de Gales, Bangor, y sus canciones son también en idioma galés). En esta fantástica obra nos encontramos con una temática explosiva y muy difícil de etiquetar (como tantos otros), aunque se perfila mucho industrial, bastante electro y gran cantidad de locura. Como curiosidad, apuntar que dos de las principales canciones de este álbum, Valium (A1) y Kerosene (A3), son covers de las bandas ” Ffa Coffi Pawb ” y ” Big Black ” (versión editada en el 1986) respectivamente. Es sorprendente ver como este grupo transformó sus sonidos y consiguieron llevárselos a un terreno completamente diferente del que nacieron, y con una calidad pasmosa… en fin. Por cierto, me parece que la referencia del año en Discogs es también incorrecta, aunque no lo puedo afirmar con toda certeza. En todo caso, no aparece en ningún sitio del disco, por lo tanto pongo la fecha que precisamente había inscrito en la referencia el buen hombre que me vendió este pedazo de álbum, además, los temas “originales” de Valium y Kerosene se editaron a partir del año 1986”.
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Programa lunes 9 de diciembre de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

(Nota jueves 5): ¿Todavía no renuncia?, ¿en qué idioma hay que decírselo?, ¿es tanta la ambición o lo turbio que se esconde y que puede ser develado si se suelta del mango?, va a dejar el país hecho mierda y ¿le da lo mismo?, no se comprende lo que está pasando.

Bitácora: Este lunes 9, partiremos con un tema “lo potente”, desconozco si será primicia para ustedes, pero podría incluirlo en alguna lista de los mejores temas compuestos para un fin específico, pondré la letra en el grupo del feisbuk el día lunes, karaoke frontal.
Y luego seguiremos sin arriesgar nada, a la segura con un músico que se lleva todos los elogios, luego volaremos mucho años atrás para revisar técnicas del dubbing con un maestro del estilo, seguiremos luego con homenaje al pueblo esquimal, desde allí nos iremos al Congo a revisar una banda que hace del DIY una máxima. Cerraremos con música como para ponerla de banda sonora al baile de los laser verdes en la Plaza de la Dignidad.

Artista: THOM YORKE
Disco: Anima
Sello: XL Recordings
Año: 2019

Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “Hace tiempo que Thom Yorke rompió todos los puentes posibles con aquellos que esperasen que sus trabajos en solitario fueran una prolongación de su trayectoria al frente de Radiohead, reescribiendo desde el ensimismamiento su visión de la música electrónica. “Anima” no es una excepción. Todo lo contrario: más bien estamos ante la sublimación de lo que empezó sin previo aviso con “The Eraser” (06) y que continuó con “Tomorrow’s Modern Boxes” (14). Si entonces sorprendió con su publicación a través de la plataforma BitTorrent, esta vez ha optado por un lanzamiento convencional, a través de su discográfica de siempre, aunque sin renunciar a las habituales dosis de misterio: un anuncio en el metro de Londres promocionaba una especie de cámara de sueño para atrapar nuestros pensamientos, incluyendo un número de teléfono tras el que estaba la noticia de que las autoridades habían ordenado el cese de las actividades de ANIMA Technologies, dando paso, por fin, a un fragmento de “Not The News”, primer adelanto de un trabajo que pivota sobre la ansiedad en un entorno distópico. No hay que esperar mucho para comprobarlo: “Traffic”, arrancando en clave de enfermiza IDM, presenta un recitado angustioso que desemboca en pesadilla (“I cant’ breathe/there’s no water […] A brick wall/you’re free”). Un tema de ritmos duros al que sigue la más envolvente “Last I Heard (…He Was Circling The Drain)” y una compleja “Twist” que se mueve entre la densidad, el ambient y la electrónica de baile, arrojándonos a una suerte de agujero negro en el que encontrarnos con el concepto de anima según Carl Gustav Jung: el arquetipo de lo eterno femenino en el inconsciente colectivo de los hombres. La dualidad se reproduce a lo largo de este tercer disco de Thom Yorke (el cuarto si contamos su banda sonora para el remake de “Suspiria”, publicada el pasado año), con “Dawn Chorus” como uno de los momentos de mayor belleza: una melodía disonante acompañada de un spoken word que ejerce como elemento central de estos cuarenta y siete minutos. Después, el patrón casi pop de “I Am A Very Rude Person”. Paradójicamente, la canción más ‘amable’ del conjunto acaba siendo una anomalía que no estorba, pero que no termina de encajar en el desarrollo global de un álbum que vuelve a reencontrarse con su espíritu, sobre un suelo de cristales rotos, en “Not The News” y –de otra manera, reposando en un colchón de sintetizadores– en “The Axe”. La distopía continúa en “Impossible Knots” (“I’m heading in the wrong direction”), para terminar con el ritmo desencadenado de “Runwayaway”, cerrando desde la extrañeza un círculo en el que no faltan imperfecciones e incoherencias, como en todo sueño que se precie”.

Artista: KING TUBBY
Disco: Balmagie Jam Rock
Sello: Dove / Tamoki Wambesi
Año: 2003 / 2019

Si bien es probable que haya disputas hasta el final de los tiempos sobre quién fue el creador adecuado de la mezcla de doblaje, King Tubby fue indiscutiblemente uno de los grandes y primeros innovadores de la forma de arte. Con un estilo único que tocó innumerables producciones de reggae, Tubby se destacó junto a Lee Perry, Prince Jammy, Scientist y Coxsone Dodd como los productores de doblaje de más alto rango, respirando electricidad y puntos de vista insondables en cada canción que tocaron. Balmagie Jam Rock es una colección particularmente agrietada de algunas de las mezclas de doblaje más sutilmente experimentales de Tubby. Desde el tratamiento de reverberación cavernoso que evoca mazmorras de “The Roots Prophet and the Mix” hasta efectos de sonido frágiles y retrasos fuera de ritmo en “Pen Wood Road Gang War” hasta elementos fracturados de funk y proto-disco en la segunda mitad de la compilación, La sensación general es más psicodélica y fluida que incluso el estilo a menudo sin fundamento de Tubby generalmente permitido.

Artista: CHRISTINE OTT & TORSTEN BÖTTCHER
Disco: Nanook of the North
Sello: GIZEH (UK)
Año: 2019

Del sitio http://sonograma.org “El pasado mes de mayo, se registró la actuación de Christine Ott y Torsten Böttcher en la sala cultural de Le cheval Blanc de Schiltigheim por los técnicos del prestigioso sello británico Giza.
Ambos autores e intérpretes de este disco, que lleva por título Nanook, narran con pasión y desde la introspección la vida cotidiana de una familia esquimal que vive en la bahía de Hudson. Se trata de la banda sonora de una película que pone en evidencia las luchas por la supervivencia de la población esquimal. Ott y Böttcher defienden, con su música, las bases de la cultura esquimal y todo lo que significa para su identidad como pueblo. Son composiciones que dan una respuesta a la búsqueda de lo posible; la austeridad de su expresividad los acerca al minimalismo. Sus improvisaciones invocan la belleza de lugares sombríos, atrayentes, fredorosos. Cabe decir que la banda sonora de la película etnográfica fue encargada por primera vez en Ott en 2013 para el Festival Internacional de Cine de La Rochelle. Los que conocíamos a Christine Ott por su especialización en la música electrónica del instrumento que inventó Maurice Martenot 1928, nos sentimos gratamente sorprendidos al escuchar su producción musical sobre el piano acompañada por el percusionista Torsten Böttcher que, en este grabación, utiliza instrumentos tradicionales de diferentes continentes. Ott se encontró con Böttcher en 2011. Quedó impresionada por sus instrumentos acústicos. A partir de ese momento decidieron trabajar juntos en diferentes películas. Ott y Böttche cantan la libertad y el coraje del protagonista: Nanook murió de hambre, dos años después del tiroteo que hubo en una expedición de caza”.

Artista: KOKOKO!
Disco: Fongola
Sello: Transgressive
Año: 2019

Del sitio https://gladyspalmera.com La música de este colectivo congoleño de Kinshasa tiene atreviemiento y destila urgencia, peligro y hasta una cierta anarquía. Algunos de los integrantes son amigos desde la infancia y aprendieron a expresarse a través de la música hecha con residuos como botellas de plástico, máquinas de escribir, latas y maderas. La combinación de sus propios instrumentos autofabricados con la electrónica y su explosiva propuesta multidisciplinar con bailarines y performers convierte al colectivo en algo único.

Artista: THOMAS FEHLMANN
Disco: Los Lagos
Sello: Kompakt
Año: 2018

Del sitio https://depositosonoro.com “ El último lanzamiento en solitario de Thomas Fehlmann, Gute Luft, tiene ya ocho años y después de esa banda sonora dub techno ambiental para el documental “24h Berlin”, Thomas Fehlmann regresa a sus 61 años con un nuevo álbum llamado Los Lagos. Con una carrera musical que abarca más de 25 años, el compositor y pionero de la música electrónica suiza, Thomas Fehlmann se ha ganado el estatus y reconocimiento como uno de los padrinos de la música electrónica. Desde su época en la banda de electropop Palais Schaumburg, hasta las colaboraciones con Juan Atkins y Moritz Von Oswald, y las producciones legendarias como la mitad de The Orb, el hombre de 61 años ha buscado continuamente encontrar un nuevo espacio sonoro y conceptual. Esta búsqueda es más evidente que nunca en Los Lagos, su último lanzamiento en el que Fehlmann presenta los diferentes enfoques musicales adquiridos en más de 25 años de experiencia dentro de la música electrónica, destilando pistas y ritmos que van desde sonidos que hacen recordar a la vieja escuela de Berlín y el synth-pop, hasta indicios de minimal techno de los noventas, vibraciones dub y efectos de sonido extraños, sonidos que en conjunto crean ritmos que desencadenan los instintos en la pista de baile dentro de un sistema de coordenadas”.
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