Tag: Naked Lunch

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Bitácora: Partiremos pegadísimos, bajaremos luego a conocer las creaciones de un músico inglés que se apoya en un par de musas bien conocidas, luego nos subiremos al carro letal de una guitarrista excepcional, visitaremos algo del nuevo disco de un pianista alemán que hace rato nos tiene babosos, un cantautor chileno nos dará visita con su álbum debut y cerraremos con la propuesta electrónica/industrial de los primeros años.

Artista: INFINITE MUSIC
Disco: A Tribute to La Monte Young
Sello: Fire Records
Año: 2018

De Wikipedia: “La Monte Thornton Young (Berna, Idaho, 14 de octubre de 1935) es un compositor y músico estadounidense, generalmente reconocido como el primer compositor minimalista. Sus obras han sido incluidas entre las obras más importantes y radicales después de la Segunda Guerra Mundial, calificadas como avant-garde, música experimental o música drone. Tanto sus composiciones proto-Fluxus como minimal ponen en tela de juicio la naturaleza y la definición de música y, a menudo incluyen elementos típicos de las performances”
Y respecto al disco ¿Cómo uno puede no ser entusiasta en presencia de la publicación de un disco homenaje de Sonic Boom al gigantesco La Monte Young? Grabado el mes de septiembre en el Teatro Maria Matos de Lisboa, “A Tribute To La Monte Young” es prácticamente la monumental presentación en vivo de este “combo” llamado así por la ocasión Infinite Music y formado por Peter Kember, también conocido como Sonic Boom, Etienne Jaumet ( Zombie Zombie), vocalista y también tocando el saxofón, y Celine Wadier, instructora de canto dhrupan y multi-instrumentista dedicada a la práctica y el estudio de la música clásica hindú.
El disco está dividido en tres pistas (“Infinite Music”, “Magenta” y “Surge Machine”) dominadas por el componente drone típico de Sonic Boom (punto de referencia constante en la música cósmica y neo-psicodélica de los últimos veinte años) y cuyas principales sugerencias son luego dadas por la contribución de Etienne y Céline y, en particular, sobre el uso de voces y sobre la reanudación de la obra de un artista que ha sido y es tan influyente como pocos en la historia de la música contemporánea y que Kember ya había rendido homenaje a Spacemen 3 en ese maravilloso álbum que sería “Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music”.

Artista: JOHN PARISH
Disco: Bird Dog Dante
Sello: Thrill Jockey.
Año: 2018

Del sitio www.discosmarcapasos.com: “El curriculum del guitarrista y productor John Parish acredita su condición de artista estelar: mano derecha de PJ Harvey en los últimos años, ha trabajo también con Eels, Tracy Champman, Aldous Harding, Giant Sand, Jenny Hval, Bettie Serveer y hasta Maika Makovski. Este primer álbum en más de una década incluye duetos con Aldous Harding y Pj Harvey, a quien Parish acompañó en su última gira mientras componía este disco de música reposada y tranquila, que nos sorprende con inesperadas soluciones sonoras. La lista de logros musicales de John Parish es larga, sin embargo, durante años, el nativo de Bristol ha sido feliz fuera del centro de atención. Este compositor nominado dos veces a los premios Ensor y productor ganador del Premio Mercury ofrece una colección de canciones, incluyendo un dúo con su socia musical de toda la vida, PJ Harvey, que debería cambiar todo esto. “Bird Dog Dante” se completó en un año ocupado para Parish. Además de ser el director musical de la banda de PJ Harvey en su gira mundial Hope Six Demolition Project, produjo aclamados álbumes para This is the Kit, Nadine Khouri y Aldous Harding. John Parish es en gran medida un hombre de familia, por lo que es apropiado que su nuevo álbum se convirtiera en un asunto familiar con obras de arte creadas por su hija, Honor, y el diseño obra su esposa Michelle Henning, que también fue profesora de fotografía en la University of West Londres, fue directora de arte del proyecto The Hope Six Demolition Project de PJ Harvey y también responsable del icónico diseño de portada de “Let England Shake”

Artista: MARISA ANDERSON
Disco: Cloud Corner
Sello: Thrill Jockey
Año: 2018

En el otoño de 2015, las críticas de un fanático sorprendieron a la guitarrista Marisa Anderson. Acababa de terminar su tocata en Sant Feliu de Guíxols, una ciudad costera por excelencia en la costa noreste de España, cuando un expatriado británico la enfrentó con una pregunta: ¿Por qué no tocas canciones felices? Ella le dijo que la felicidad no era su trabajo y se fue. Pero su provocación se atascó: ¿podría ella escribir una guitarra solista instrumental tan animada que nadie la confundiría con triste? Absolutamente. Tarde en Cloud Corner, el fantástico debut de Anderson en Thrill Jockey, prácticamente se pasea por una pista de cuatro minutos llamada así por la ciudad donde aceptó el desafío. Con una melodía en miniatura que se eleva, cae y se repite en patrones ligeramente irregulares, la canción recuerda las olas rompiendo en la orilla bajo el sol de primavera que se desvanece. Usando solo seis cuerdas amplificadas, Anderson evoca la maravilla de un turista que ve lugares que nunca sabían que podían existir.

Artista: NILS FRAHM
Disco: All Melody
Sello: Erased Tapes
Año: 2018

https://www.mondosonoro.com Tras editar tres trabajos largos en 2016 –la reedición de “Screws” (12) con reworks de gente como Soul Channel o Helios; “Trance Frendz” junto a su amigo Ólafur Arnalds, y el muy recomendable “Tag Eins Tag Zwei” junto a F.S. Blumm–, uno pensaría que el compositor Nils Frahm descansaría durante el pasado 2017. Nada más alejado de la realidad. Durante dos años, ha estado construyendo su nuevo estudio en Berlín. La reinvención de este gran estudio (el Saal 3, propiedad de un amigo de la familia en el mítico Funkhaus del Berlín Oriental) ha sido el pilar en el que se ha compuesto este nuevo trabajo de Frahm, convirtiéndose en el disco más plural y variado de este autor alemán. También el más electrónico, en el que saca mayor partido a su Moog. En “All Melody” ya no ha tenido que colocar fieltros en los martillos del piano como en “Felt” (11) o tocar el piano con nueve dedos por culpa de una lesión como en “Screws”. Ahora, Frahm puede convertir un gran órgano de tubos en una caja de ritmos, una caja de ritmos en flautas (“A Place”), un piano en su voz (la preciosa “My Friend The Forest”), o acercarse a la concepción de techno de Francesco Tristano con dos de los mejores temas de electrónica que escucharas en este 2018: la emocionante “Sunson” (tan cercana al espíritu vitalista de temas como “Strings Of Life” de “Rhythim Is Rhythim”) y el cósmic analógico de “All Melody”.

Artista: BENJAMIN VE
Disco: Canciones
Sello: Ruca Records
Año: 2017

El disco “Canciones” lanzado en 2017 a través de Ruca Records es el disco debut de Benjamin Ve, músico y productor independiente de Santiago, Chile quien ha pasado por diferentes bandas de la escena underground local (doberdogs, románticos). Inspirado en el pop clásico, el rock alternativo de fines de los 80 (Pixies, Vaselines) y en el revival de la psicodelia Benjamin Ve hace entrega con letras que hablan de las búsquedas y vueltas de la vida y la conversación con uno mismo. Este monólogo es entregado en la forma de simples canciones empapadas en sutiles texturas creadas por delays, reverbs y ondas sinusoidales que dan como resultado un pop alternativo y ecléctico que nos lleva por múltiples estilos y sensaciones.

Artista: Varios (Five Times of Dust, Naked Lunch, V-Sor, X y más)
Disco: Prophecy + Progress: UK Electronics 1978-1990
Sello: Peripheral Minimal
Año: 2018

Esto no es simplemente otra compilación de synthpop, o algo nostálgico, sino una mezcla ecléctica de actos que experimentaban con la nueva tecnología disponible en un momento en que la escena punk había estallado y la prensa musical estaba ocupada acuñando nuevos géneros como un intento de continuar. su legado, aunque el synth-pop surgió en parte del punk rock, abandonó el énfasis del punk en la autenticidad y, a menudo, persiguió una artificialidad deliberada, recurriendo a formas críticamente burladas como el disco y el glam rock. Aunque la experimentación electrónica había sido explorada en las décadas anteriores, todavía se consideraba “extraña”, “misteriosa, estéril y vagamente amenazante”, e incluso francamente, “austera y fascista”. Es posible que a Gary Numan o Depeche Mode y otros les haya gustado cambiar el público que compra discos a la música de sintetizador, pero el bullet underground fue una gran cantidad de experimentadores que grabaron en un secreto relativo en ciudades industriales como Sheffield o en la posguerra de Londres. cuando los conservadores regresaron al poder y modificaron por completo el panorama político, y produjeron una generación de “Hijos de Thatcher” (egoístas, arrogantes y materialistas). El antídoto parecía ser una rebelión silenciosa en forma de paisajes sonoros oscuros y enajenados por actos que ahora se consideran “pioneros”, o que alcanzan el estatus de culto, en una nueva era de suplantadores del pop y trivialistas de la “nueva ola”. Muchos de los actos aquí mencionados estarán familiarizados con los seguidores de sintetizadores o música industrial, algunos quizás menos conocidos. También hemos incluido obras ligeramente “posteriores” de artistas que ya estaban firmemente establecidos a principios de los 80 como una comparación, y por la pura arrogancia de los mismos. Es un intento de reavivar esos días de experimentación y animar a las nuevas generaciones a rebelarse y renunciar a la postura de moda que viene con algo vagamente “interesante”.