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Podcast Programa lunes 23 de diciembre de 2024

DESCARGA(lunes 23): Aquí o https://www.mediafire.com/perd241223.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Programa lunes 23 de diciembre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Ese ambient lisérgico vuelve a embetunar el par de parlantes que le echaban de menos. Brujas de antaño y contemporáneas que se hacen cariño con notas en loop. Una hippie que gustaba de acariciar instrumentos medievales. Una bestia que volvió a salir de paseo por unos recónditos pasillos de una fábrica abandonada en Quebeq y cerrando con un discípulo del mejor acid house manchesteriano.

Artista: SEEFEEL
Disco: Everything Squared
Sello: Warp
Año: 2024

Seefeel surgió en 1993 con el lanzamiento de su álbum debut, luego de una serie de EP brillantes. Con cada disco, su estilo y sonido cambiaron, confundiendo a periodistas y sellos discográficos por igual. Al principio se los agrupaba con el shoegaze, el post rock y luego con el IDM, en gran parte debido a sus asociaciones con Warp y Rephlex. Sin embargo, nada de eso captura la mezcla realmente fascinante de electrónica ambiental, melodías cercanas al pop y guitarras destrozadas pero inspiradoras que Seefeel estaba creando. Everything Squared ofrece un primer vistazo de lo que Seefeel ha estado haciendo desde el lanzamiento homónimo de 2011. No es inusual esperar un tiempo entre los lanzamientos de Seefeel (hubo un período de silencio de catorce años entre 1997 y 2010), pero resulta que este período ha sido una época particularmente creativa: “Hay suficiente música para lanzar dos o tres álbumes al año”, explicó el principal instigador musical Mark Clifford en una entrevista reciente con tQ. El cuarteto original se ha reducido a un dúo central de Clifford y Sarah Peacock, y ahora el primero es responsable de la mayor parte de la producción musical, y solo ha reclutado a Peacock para que contribuya con voces recónditas desde su base en Berlín.

Artista: LAURA CANNELL
Disco: The Rituals of Hildegard Reimagined
Sello: Brawl Records
Año: 2024

Armada con una flauta dulce, un arpa de rodilla y un pedal de retardo, la compositor de East Anglia reimagina con amor la música de la polímata mística del siglo XII, Hildegard von Bingen.
La música de Laura Cannell arroja una luz moderna sobre melodías antiguas. La compositora afincada en East Anglia recurre a los principios de la música antigua para dar forma a sus obras, capturando un espectro de estados de ánimo en el proceso. En The Rituals of Hildegard Reimagined, Cannell se inspira en una de las queridas compositoras de monofonía medieval, Hildegard von Bingen, y crea sus propias viñetas inspiradas en las melodías espirituales de von Bingen. El décimo álbum de Cannell, The Rituals of Hildegard Reimagined, se basa en el trabajo anterior de la compositora al seguir mostrando música etérea que se siente como una refracción y un reflejo del pasado.
La música de von Bingen ha sido el consuelo de Cannell durante veinticinco años y, con The Rituals of Hildegard Reimagined, sus composiciones interpretan la obra de von Bingen con un toque amoroso y responden a ella desde su propia experiencia auditiva personal. Cannell explora el consuelo que le proporciona en momentos de estrés y el misticismo que contiene y lleva consigo a través de los siglos. En sus composiciones para flauta dulce, arpa de rodilla de doce cuerdas y pedal de retardo, Cannell muestra una aguda atención a la textura, utilizando las diferentes cualidades de sus instrumentos para tejer capas delicadas y ornamentadas extraídas del legado de von Bingen.

Artista: DOROTHY CARTER
Disco: Troubadour
Sello: Drag City
Año: 1976 / 2024

Una marcada cualidad de otro mundo parece ser el subproducto natural de la cualidad estridente y resonante que poseen ciertos instrumentos de cuerda, en particular el salterio y el dulcémele. Es una cualidad que está presente desde las primeras notas de Troubadour, el álbum debut de Dorothy Carter de 1976, y es algo que fue reconocido un par de décadas después por los progenitores de la floreciente escena New Weird America. Artistas como Devendra Banhart, Espers y Joanna Newsom buscaron su inspiración principal en un tipo de folk marginal específicamente extraño, y artistas como Carter, Vashti Bunyan, Linda Perhacs, Donovan, Karen Dalton y Jean Ritchie. Carter era un caso atípico, incluso entre los casos atípicos. Llegó tarde a la música grabada (ya tenía cuarenta años cuando se publicó Troubadour) y, cuando encontró su sonido característico, el resurgimiento del folk aparentemente estaba moribundo, sus vástagos absorbidos por el progresivo (Roy Harper), el jazz (Joni Mitchell) o por copiosas cantidades de cocaína. El Bob Dylan de 1976 todavía cantaba canciones de protesta (era el año de Desire, del ascenso de Rubin Carter a la prominencia pública en las letras de Hurricane), pero lo hacía bajo una espesa capa de country rock de gran producción y big band. Cuando la rueda finalmente giró de nuevo y aquellos pioneros del folk psicodélico encontraron un nuevo público a principios de la década de 2000, los redescubrimientos (y las reediciones posteriores) se sucedieron rápidamente, pero por razones desconocidas, Carter desapareció del radar. Nunca sabremos si se la consideraba poco comercializable, si no encajaba del todo en la colorida imagen de finales de los sesenta de artistas como Bunyan y Donovan o si simplemente tuvo mala suerte.

Artista: COLIN STETSON
Disco: The love it took to leave you
Sello: Invada Records
Año: 2024

El saxofonista por excelencia, Colin Stetson, nos ofrece una nueva y poderosa misiva. Tocando con todas sus fuerzas a través de un sistema de sonido completo en las cavernosas dimensiones de The Darling Foundry, una antigua fábrica de metales de 144 años de antigüedad en Montreal, ahora utilizada como espacio artístico, Stetson despliega sus grandes pulmones y su destreza física hasta el punto de que debe haber quedado completamente aturdido después de la grabación. La arquitectura de hormigón, acero y ladrillo es una parte clave de la música, ya que Stetson hace sonar su saxofón bajo como un demonio herido contra sus imponentes superficies, como él describe: “Realmente pudimos mover el tipo de aire que yo puedo mover, saturando realmente la sala, golpeando las paredes con fuerza”. El resultado, grabado en varias pistas durante la posproducción, captura una energía feroz, aunque moderada, que despliega un nuevo y audaz capítulo en una saga en solitario que comenzó hace 20 años y que realmente salió a la luz con la llegada de sus volúmenes “New History Warfare”, o que él considera este como una especie de precuela. A lo largo de su duración, se lamenta y se abalanza sobre las reverberaciones de los estanques de los almacenes en la pieza principal y aprovecha un jazz negro palpitante junto al lado asesino de Modern Love de Alex Zhang Hungtai con el tema “The Six”, aliviando la presión en la pieza “The Augur” y, francamente, te hace sentir bien en “Hollowing”.

Artista: FLOATING POINTS
Disco: Cascade
Sello: Ninja Tune
Año: 2024

Anunciado como una secuela de “Crush” de 2019, “Cascade” muestra a Sam Shepherd regresando a la pista de baile e imaginando las tiendas de discos de Manchester para alimentar un conjunto de éxitos neo-house nerviosos y con tendencia.
Producido en el desierto de California mientras Shepherd estaba entre trabajos de sincronización y composición, “Cascade” es su intento de reconciliar el pasado con el futuro. Creció en Manchester, donde pasaba el tiempo recorriendo tiendas de discos y sintonizando la radio local, y esos primeros recuerdos se mencionan aquí: “Key103” lleva el nombre de su estación favorita, y “Afflecks Palace” del legendario mercado cubierto. Y si escuchaste los sencillos de adelanto “Birth4000” y “Del Oro”, tendrás una idea de hacia dónde se dirige este, aunque mezcla los cortes atrevidos del festival con un equipo más profundo. “Ocotillo” es un tema destacado, un sintetizador cósmico reichiano que espera unos buenos seis minutos antes de lanzarse a su ritmo descarado, y “Afflect Palace” es lo suficientemente chirriante como para recordarnos con cariño los días de gloria de Skam. Incluso hay una pista ambiental añadida al final por si acaso.
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Programa lunes 8 de mayo de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Desde una reconfiguración de las canciones navideñas al descubrimiento de uno de los que aporto a los simples ocupados en la canción Revolution N°9 de Los Beatles y todo lo que puede haber entre medio.

Artista: LAURA CANNELL+ ANDRE BOSMAN
Disco: New Christmas Rituals
Sello: Brawl Records
Año: 2022

De otro mundo. Nocturno. Meditativo. Estas son las impresiones permanentes creadas por esta colección absolutamente hermosa de la violinista inglesa Laura Cannell y el violinista de Kentucky André Bosman. El dúo ha actuado junto durante algunos años, y se nota en su forma de tocar intuitiva y fluida. New Christmas Rituals está tan lejos de los clichés cansados y los estereotipos hastiados de la temporada festiva como cualquiera puede estar, y aun así se las arregla para estar impregnado de un sentido de, sí, ritual y reflexión acorde con el cierre de otro año. El violín sobre el arco de Cannell junto con el violín amplificado y el bajo de Bosman evocan un mundo sonoro lleno de intriga y extrañeza, uno que atrae al oyente cada vez más profundamente en sus fauces, donde los ecos de melodías festivas familiares se entretejen con elaboraciones crudas y sinuosas en temas familiares.
Cannell puede ser conocida por estos lares por su trabajo de composición cinematográfica (bajo el nombre de Isobel Raven) y su gigantesco proyecto de 2021 en el que lanzó un álbum al mes en colaboración con la violonchelista Kate Ellis, titulado These Feral Lands. Su trabajo con Bosman tiene un matiz diferente, impulsado por la combinación de dos sonidos de violín muy diferentes. El suyo ocupa un amplio espacio abierto y extrae el potencial hipnótico de las secuencias repetitivas, mientras que el violín de Bosman tiene una sensibilidad más salvaje, ronca e innegablemente sureña, que envuelve la interpretación de Cannell con partes iguales de gracia y peligro.

Artista: Varios
Disco: Ballads
Sello: A Colourful Storm
Año: 2022

Durante la mejor mitad de una década, Time is Away, el dúo londinense de Jack Rollo y Elaine Tierney, ha realizado transmisiones tiernas y sentidas a través de innumerables mezclas, obras de sonido y radio. Explorando temas profundamente humanos de la memoria, la persistencia y la resistencia utilizando un ensamblaje de material de origen, el modo único de narración del dúo culmina en Ballads, un nuevo conjunto de canciones y, significativamente, su primera compilación con licencia oficial. Desde las notas iniciales del romanticismo de jazz de Horvitz Morris Previte Trio hasta el animado estándar reinventado de Gilles Chabenat y Frédéric Paris, la inquietante sesión vocal de Tanto Pressanto y los hipnóticos remolinos de The Unthanks, Yuko Kono y Rachel Bonch-Bruevich, el espíritu de Ballads deambula por todos lados. generaciones de canciones afectuosas y evoca imágenes tanto cándidas como surrealistas. La voz de la poeta y colaboradora de mucho tiempo Christina Petrie aparece brevemente y contempla los “suspiros y respuestas… el espacio entre versos” de la Balada, su belleza, su lugar en nuestras vidas. ¿Qué es el Romancero sino un reflejo de nuestra alma? “Tal vez deambule en su búsqueda”, concede con amargura. En la cúspide de la suite hay una versión alternativa de ‘Just (After Song of Songs)’ de David Lang, una meditación de trece minutos sobre la devoción que apareció en Youth (2015) de Paolo Sorrentino. Los temas universales de la fe y el deseo de la pista irradian y aclaran el toque incomparablemente preciso pero sutil de Time is Away.

Artista: Varios intérpretes, varios países
Disco: Exploring Gong Culture of Southeast Asia: Massif and Archipelago
Sello: Sub Rosa
Año: 2022

Los gongs han jugado un papel integral en la mitogeografía de Asia. Esta no es música que se alinee con fronteras nacionales o ideas de poblaciones homogéneas, y mucho menos estereotipos raciales y clichés exóticos. Lo que conecta todas estas pistas es un sentimiento simultáneo de entrada y cohesión social. Comunitario y colaborativo, su forma es hipnóticamente repetitiva, melodías y ritmos repartidos entre los intérpretes mediante la técnica del hocketing en la que una línea fluida se distribuye entre todos los músicos. El efecto es fascinante, inmediatamente embriagador para cualquiera que ame el footwork de Chicago, la improvisación libre, Sun Ra o el joven productor de hip hop Jetsonmade. La música es sencilla pero a la vez misteriosa y envolvente, un mundo sonoro en el que desaparecer. Existe una teoría pero esto no se explica. David Toop (extractos de las notas del transatlántico)

Artista: ALLIYAH ENYO
Disco: Echo’s Disintegration
Sello: Somewhere Between Tapes
Año: 2022

Emergiendo de una grabación en vivo en la Catedral Episcopal de St.Mary en 2021, ‘Echo’s Disintegration’ de Alliyah Enyo es un proyecto transformador; una reflexión codificada sobre la pérdida, la metamorfosis y el renacimiento. Es un trabajo de dos partes, cada encarnación informada por los parámetros del entorno de grabación. En la presentación en vivo inicial, Alliyah aprovecha el eco orgánico y la reverberación formada por el vasto espacio abierto de la catedral. Su voz luminosa atraviesa un denso mar de capas de ruido, un lamento reverberante empapado de angustia. Sus palabras están fracturadas y deshilachadas, rotas en segmentos y envueltas en misticismo. Sin embargo, a través de la ambigüedad, hay una espiritualidad innata en el trabajo; las melodías iridiscentes se ven realzadas por la imponente presencia del entorno.
Las cinco pistas de estudio, hechas en retrospectiva, llevan la presentación en vivo dentro del ADN de sus sonidos y loops reinterpretados. Grabado en el renombrado Green Door Studio de Glasgow, los bucles de cinta construidos de carrete a carrete fragmentan y transforman aún más las composiciones, evocando la embriagadora retroalimentación de cinta de Eliane Radigue y los desgarradores bucles de William Basinski. Hay una claridad radiante en las grabaciones, la voz de Alliyah implementada como instrumento guía, la sensualidad embriagadora de su voz superpuesta y resonada en una formación encantadora. A través de la agonía y el anhelo, alcanzamos la reencarnación en la euforia culminante del “sanador”. Nos quedamos entre las dichosas reverberaciones de un alma despierta.

Artista: FARID EL ATRACHE
Disco: Nagham Fi Hayati
Sello: We want sounds
Año: 2023

Matt sigue alimentándonos de joyitas del oriente medio. Wewantsounds se complace en reeditar el álbum de culto de Farid el Atrache ‘Nagham Fi Hayati’ lanzado en 1974 en Voice of Lebanon. Es la banda sonora de la película homónima protagonizada por El Atrache. Sampleado por los Beatles y apodado el ‘Rey del Oud’, El Atrache es uno de los gigantes de la música egipcia junto con Oum Kalthoum y Abdel Halim Hafez. El álbum que muestra la versatilidad de El Atrache e incluye el ritmo monstruoso ‘Hebina’, es uno de los álbumes favoritos de Brian Eno. Reeditado por primera vez desde los años 70, ‘Nagham Fi Hayati’ también contiene una versión inédita de ‘Takassim Oud’ que destaca la excelente ejecución del laúd de El Atrache. Remasterizado para vinilo por Colorsound Studio en París, incluye nuevas notas de Mario Choueiry del Institut du Monde Arabe en París. Farid El Atrache es uno de los gigantes indiscutibles de la música egipcia que brilla en todo el mundo árabe. Nacido en Siria en 1916, se mudó a Egipto a una edad temprana con su madre y sus hermanos. Influenciado por su madre, que cantaba y tocaba el laúd, aprendió ambos y se hizo notar rápidamente. El Atrache comenzó su carrera profesional en la estación de radio Nacional en la década de 1930 y rápidamente saltó a la fama como cantante estrella y actor prometedor en la floreciente industria cinematográfica egipcia.Desde entonces, El Atrache nunca miró hacia atrás y rápidamente alcanzó el estatus de superestrella con una reputación de playboy a la altura. Tuvo una relación sentimental con estrellas femeninas como Shadia o Samia Gamal e incluso con la ex reina Nariman Sadek después de su divorcio del rey Farouk. Sin embargo, estos romances invariablemente se volverían amargos y la soledad seguiría a la pasión ardiente, lo que de alguna manera inspiró su carrera musical y actoral.
En los años 50 y 60, El Atrache se convirtió en uno de los cantantes más famosos del mundo árabe. Una de sus canciones de los años 60, “Awel Hamsa”, incluso fue sampleada por los Beatles en su “Revolution Nr 9” del White Album”.

Artista: WONDERFUL BEASTS
Disco: Magic & Myth
Sello: Subexotic Records
Año: 2022

‘Magic & Myth’ es el segundo álbum de Wonderful Beasts, un binomio arte sonoro/música electrónica del anónimo Xqui y Carl Knott (boy named crow, Spacelab). El álbum sigue a su colaboración debut juntos, ‘The Art Of Whisper’ (Wormhole World, 2020). ‘Magic & Myth’ será lanzado en vinilo y edición digital por Subexotic el 20 de mayo de 2022. Desde los tonos elegíacos que abren ‘Dreamers’ hasta los compases finales de la estridente ‘Lucky Man’, se puede escuchar una perspectiva triunfal y de celebración. a través de las trece pistas presentadas aquí. Son piezas instrumentales llenas de esperanza y ternura; con amor y dulzura; con anhelo y alegría; con memoria y reflexión; con prudencia y paciencia. Escuchamos las manipulaciones brillantes y delicadas de la guitarra folclórica que han caracterizado el trabajo de Knott como boy llamado cuervo y rastros de grabaciones de campo y bucles saqueadores y fuera de lugar que han sido una presencia constante en la prolífica producción de Xqui. Manteniendo estos elementos dispares juntos es una estructura ambiental beatífica y bucólica, llena de almohadillas exuberantes, melodías cristalinas, agrupaciones que repican como campanas y una calidez emocional exquisita. Eso no quiere decir que ‘Magic & Myth’ evite el elemento sorpresa por el que ambos artistas son conocidos. Escuchamos ondas abrasivas de sonidos oscuros, casi industriales y fragmentos de voces que emergen de las guitarras serenas de ‘In Love’, y exploraciones sesgadas de motivos neoclásicos en la pista de la banda sonora falsa, ‘Theme From David’s Last Dance’. A medida que avanza el álbum, nos aventuramos en territorios más extraños y oblicuos con el inquieto y aleatorio ‘Squidgy Face’ o las voces procesadas insistentes y las melodías evasivas de ‘My Mate, The Druid’, piezas que toman los gestos naturalistas que se encuentran en abundancia. en otros lugares y que les permiten evolucionar de manera impredecible y, a menudo, alegremente ruidosa.
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