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Estos fueron los discos que conformaron este especial lacrimógeno.

Artista: FIELD WORKS
Disco: Ultrasonic
Sello: Temporary Residence Ltd
Año: 2020

Este es EL disco que motivó este especial, en estricto rigor el tema con que finaliza este disco. Es tan potente que solo escucharlo hizo estremecer la fibra, entender algunas frases sueltas de la lirica me dejó confundido y luego de conseguirme la letra con el autor del disco me dejó mal. Motivó lo que van a escuchar el dia de hoy.
La reseña en serio se colocará el dí­a martes 10 de noviembre, ponerla antes le quita un poco el impacto.
Stuart Hyatt, cerebro tras la serie titulada FIELDWORKS, regresa con otra maravilla sónica, llevando al oyente a un territorio acústico realmente desconocido. Ultrasonic es quizás el primer álbum en utilizar las ecolocalizaciones de los murciélagos como material de origen compositivo. Para este álbum especial, Hyatt ha reunido a un grupo extraordinario de colaboradores: Eluvium, Christina Vantzou, Sarah Davachi, Ben Lukas Boysen, Machinefabriek, Mary Lattimore, Felicia Atkinson, Noveller, Chihei Hatakeyama, John Also Bennett, Kelly Moran, Taylor Deupree, Jefre Cantu-Ledesma, Julien Marchal y Player Piano. Ultrasonic es parte de un proyecto de narracion mas amplio sobre el murciélago de Indiana en peligro federal. Generosamente financiado por el IUPUI Arts & Humanities Institute y la National Geographic Society.
Como explorador de National Geographic, Hyatt expande su serie Field Works a territorios acústicos inexplorados. Su primer proyecto financiado, Ultrasonic: Making Music with Endangered Indiana Bats, es una iniciativa de narración colaborativa que tiene como objetivo llamar la atención sobre la difícil situación de una importante especie del medio oeste y sus hábitats circundantes. Quizás el primer proyecto que utiliza los sonidos transpuestos de los murciélagos para crear música, este ambicioso esfuerzo ha creado un álbum que está destinado a entretener y educar al público en general sobre un animal fascinante pero amenazado.

Artista: PHIL TOMSETT
Disco: The Sound of Someone Leaving
Sello: Fluid Audio https://philtomsett.bandcamp.com/album/the-sound-of-someone-leaving
Año: 2020

Otro golpe seco en la fibra más sensible
La ausencia es poderosa …
“El sonido de alguien que se va” es la respuesta de Phil Tomsett a la ausencia.
Donde debería haber vida, hay un silencio inquietante. Vacío…
Tomsett, conocido por su producción como The Inventors of Aircraft, ha encontrado su música apareciendo en una variedad de sellos estelares, incluidos Time Released Sound, Rural Colors, Home Normal e Hibernate. The Sound of Someone Leaving anuncia su regreso a Fluid Audio. Acompañado por Aaron Martin, quien proporciona un violonchelo hermoso y conmovedor, este lanzamiento es un trabajo reflexivo y contundente. La música de Tomsett es etérea y fina, a punto de desaparecer por completo. Uno puede sentir el dolor de la ausencia mientras la música fluye a través de una serie de tonos claros y tocados por el ambiente. La música parece desafiar la gravedad mientras flota en el aire, la voz resuena distante, recordando su voz. Los sintetizadores, las cuerdas y las voces corales se entrelazan de manera cuidadosa, y la masterización analógica de carrete a carrete de Ian Hawgood es crucial para la tonalidad delicada y fina de la música, al tiempo que permite que el sonido en sí exista más allá del tejido del tiempo. No importa la década, la historia de pérdida y ausencia recién descubierta se repite, se puede decir en bucle.
“Cuando alguien ya no está, el espacio vacío se carga de poder emocional. Como si el acto de desaparecer dejara una firma etérea y sobrenatural ”.Como siempre, el cierre de una puerta conduce a la apertura de otra. Sin la experiencia de la pérdida, El sonido de alguien que se marcha no existiría, y eso es una franja plateada de luz en un cielo que de otro modo estaría nublado.
Todo a la vez, luego nada.

Artista: LAURA CANNELL
Disco: The Earth With Her Crowns
Sello: Brawl Records
Año: 2020

Cuando toca despedir un lugar emblemático porque las inmobiliarias están observando y a la espera , como carroñeros que esperan que se te acabe la comida o el agua.
The Earth With Her Crowns es un álbum de tomas de sencillos improvisados grabados por la compositora Laura Cannell dentro de la antigua Wapping Hydraulic Power Station en Londres, conocida como el centro artístico y restaurante The Wapping Project. Cannell recibió el encargo del proyecto de explorar las cualidades que el gigantesco edificio podría aportar a la música improvisada dentro de sus paredes. Fue el acto final del Proyecto Wapping ante las propuestas del Ayuntamiento para convertirlo el edificio en viviendas. Laura describe: ”De pie en los umbrales en los arcos entre los espacios y debajo de las escaleras suspendidas con notas bajas y notas altas volando, toqué en el momento, permitiendo que el sonido se ramificara como vías fluviales antiguas, fui guiado por la acústica del espacio a sonidos que eran propios. -sustentable, fluido y cambiante. Los cristales transparentes reflejaban y devolvían mis ofrendas de hilo y aire, pronunciadas con los dedos y los pulmones. Una vez, toneladas de agua pasaron por aquí para alimentar a Londres, y el espacio nunca está en silencio, el sonido de la ciudad viva afuera entra ocasionalmente a través de ladrillos porosos, acero y vidrio. Me pareció una estructura orgullosa y fue un honor escuchar sus respuestas a mis preguntas”.

Artista: JOHANN JOHANNSSON
Disco: Personal Effects
Sello: Deutsche Grammophon
Año: 2020

El nuevo álbum se originó en 2009 como la banda sonora del debut cinematográfico del director David Hollander. Hollander se había enamorado de la música de Jóhannsson cuatro años antes mientras exploraba una instalación de arte en la playa de Santa Mónica en California. Aunque paralizado por la banda sonora de la exposición multimedia, se fue antes de descubrir el nombre de su compositor. Por casualidad el productor de Personal Effects había visitado la misma exposición y también quedó enganchado por lo que escuchó. “Estaba decidido”, recuerda el director. “Esta persona misteriosa sería nuestro compositor”. La búsqueda llevó a Hollander a Jóhannsson. Una semana después de su primera conversación, el compositor había redactado la música para secciones de la película y grabado sus ideas en piano. Lo que siguió fue una intensa colaboración creativa de tres meses. La música de Jóhannsson, con sus meditaciones sobre el dolor y la pérdida, aportó una dimensión adicional a Personal Effects, un drama romántico protagonizado por Michelle Pfeiffer y Ashton Kutcher como dos personas afligidas que luchan por aceptar la muerte violenta de sus seres más cercanos. “Jóhann constantemente buscó en las imágenes y emociones de la película para crear algo mejor que cualquier cosa que hubiera imaginado”, señala David Hollander. Los dos hombres se hicieron amigos mientras trabajaban juntos en Personal Effects y Hollander ha encontrado un gran consuelo al escuchar la banda sonora desde la muerte de Jóhannsson en febrero de 2018. Describe a su amigo como “un genio amable”, justamente celebrado por sus partituras pioneras, incluidas aquellas por Sicario, Arrival and Prisoners de Denis Villeneuve y The Theory of Everything de James Marsh, por la que ganó un Globo de Oro en 2015.
“Nunca imaginé que esta partitura sería algo que me ayudaría no solo a sobrellevar la muerte de Jóhann, sino a sentir su presencia y conmoverme, una y otra vez, por su trabajo”, agrega. “Tiene. Y espero que, para aquellos de ustedes que lo conocieron y lo amaron, o simplemente amaron su trabajo, les ocurra lo mismo”.

Artista: JASON MOLINA
Disco: Eight Gates
Sello: Secretly Canadian
Año: 2020

Del sitio https://hipersonica.com “Cuando Jason Molina murió, en 2013, dejó una ruta de discos cuyas ramificaciones nunca nos acabaremos del todo. Desde las aproximación de folk espartano, ligadas a lo que, al mismo tiempo, hacía Will Oldham con sus Palace, a los discos de Magnolia Electric Co. que se miraban en Neil Young (el encabritado melancólico, el de Crazy Horse) hay tanto trecho como entre cualquiera de esos discos y The Lioness, situado entre medias de ambos y escogido en esta casa como uno de los mejores discos de slowcore de la, ejem, Historia. Eight Gates es un disco póstumo, y como tal, no podemos más que aventurar si realmente la forma final es la que él quería. El ingeniero de sonido que acompañó a Jason Molina en esas últimas sesiones de grabación, su productor y ahora mezclador Greg Norman, es fuente fiable: se conocían de antes, de los paseos de Jason Molina por Electrical Audio en Chicago y de las mezclas de Fading Trails (2006) o las sesiones de Josephine (2009). Norman asegura que para ese disco Molina seguía fiel a su manera de trabajar: no matar ninguna idea bajo toneladas de obsesiones. Y que Molina buscaba ahora, más que nunca, evitar la repetición en estas canciones, acabarlas cuando aún estaban en el aire.
Si es relevante algo así es precisamente por el propio aspecto del disco, más minimalista que la mayoría de los de Molina (incluso que los de Songs:Ohia) y también el más parco en palabras. La mayoría de las canciones de Eight Gates concluyen en menos de dos minutos y medio, con intervenciones sutiles de los propios Molina y Norman y por Chris Cavacas (The Dream Syndicate, Green on Red). Es como si las ideas estuviesen flotando en el aire y el trío se dedicase sólo a bajarlas a tierra y retirarse.
Vitalmente, la grabación de Eight Gates coincidió con el peor momento de la existencia de un Molina que ya había sucumbido del todo a su adicción; musicalmente, es un disco menos doloroso que los que firmó en el quicio del nuevo milenio: el oyente puede acercarse a él sin perder toda esperanza. Y, para la posteridad, Molina se reserva una última frase, grabada al inicio de ‘She Says’: “la toma perfecta es siempre aquella en la que la persona que canta aún está viva”.

Artista: AKIRA KOSEMURA
Disco: True Mothers
Sello: Schole
Año: 2020

Nuevamente gentileza de Romain Meril, conexión en Francia para llegar a Tokyo, donde el prolífico Akira Kosemura.
Del sitio https://revistamutaciones.com/ : “Si el año 2020 está resultando catastrófico en todos los sentidos, y en todos los ámbitos, incluyendo el sector cinematográfico, parece que al menos un pequeño rayo de luz busca su camino entre las ramas frondosas de los árboles con intención de volver a deslumbrarnos. Y es que Naomi Kawase —a quién precisamente se le encargó dirigir la película oficial de los Juegos Olímpicos de Tokio que han tenido que ser aplazados— ha vuelto, o mejor dicho, ha encontrado de nuevo la armonía tras un largo periodo en el que sus films no conseguían emocionar. La cineasta japonesa ha presentado True Mothers (Asa ga Kuru) en la Sección Oficial del Donostia Zinemaldia-Festival Internacional de Cine de San Sebastian bajo el nuevo sello de identidad que las películas seleccionadas para el Festival de Cannes lucen al verse obligado a cancelar su 73º edición a causa del coronavirus. Quién sabe si de haberse celebrado el certamen el film de la realizadora nipona hubiese sido reconocido como ya lo fueron su ópera prima Suzaku (1997) —Cámara de Oro— y, 20 años más tarde, The mourning forest (2007) —Gran Premio del Jurado—, pero valga la mención siquiera para celebrar que, con su último trabajo, la directora de Shara (2003) ha conseguido transmitir sus más profundos sentimientos y plasmarlos en la gran pantalla.
True Mothers arranca con la crónica de un matrimonio acomodado que, tras una larga e insatisfactoria lucha para ser padres, decide recurrir a la adopción. La historia, sin embargo, se bifurca y la directora, a través de una inesperada visita, nos introduce en una segunda trama en la que una joven que vive su primera historia de amor, se queda embarazada y se ve obligada a dar el bebé en adopción. El film que está basado en la novela homónima de la escritora Mizuki Tsujimura, pero pronto seremos conscientes de que la cineasta nipona sabe de lo que habla. Ella misma ha admitido en numerosas ocasiones, que es hija adoptiva, y la intensidad emocional de las circunstancias hace que con True Mothers entramos de lleno en el universo de su creadora. Tal y como Kawase declara, toda su filmografía es un intento de “encontrar el modo de vincular el afecto materno con un estado de armonía” y en esta ocasión su propuesta se concentra expresamente en encontrar esa paz. Kawase cruza las dos historias haciéndolas avanzar como si fueran sus propios recuerdos, y así es como, rompiendo la cronología y la linealidad del relato, irá poco a poco desarrollando las diferentes realidades sociales de sus personajes y profundizando en sus sentimientos”.

Artista: MOBY
Disco: Play!
Sello: Mute
Año: 1999

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