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Bitácora de vuelo: Sonidos que suenan a transitados, sonidos viejos que rememoran otros aún mas viejos, niños inquietos con alma de músicos, folk urbano muy intimista, maquinales ondas sonoras y estados contemplativos, de eso y de sus derivados podrán captar este lunes en la edición nonanonanonagésima de Perdidos, saluten a todos los viejos conocidos y aun por conocer, esto es lo que va:

Artista: A PLACE TO BURY STRANGERS
Disco: A Place To Bury Strangers
Sello: Killer Pimp
Año: 2007

De la web: “Oliver Ackermann (voz y guitarras), J Space (batería) y Jono Mofo (bajo) son A Place to Bury Strangers y básicamente lo que hacen es ruido y distorsión. Pero no shoegazer o efectos de electrónica experimental, sino puro y duro noise al más puro estilo de “Jesus and Mary Chain en Psychocandy” o “My Bloody Valentine”, también hay perfume a Spacemen 3 en She dies y Oceans y además con influencias de la parte mas siniestra de “The Cure” o “New Order” y alguna pequeña concesión a la electrónica de baile.
El señor Ackermann es a su vez es el propietario de Death By Audio, una pequeña empresa especializada en la construcción artesanal de pedales de distorsión, encargada de proveer de pedaleras a bandas con tremendo bagaje como los Lighting Bolt o los Godspeed You Black Emperor, así que con esos antecedentes no puede haber duda. Recomendable la escucha.

Artista: BLOSSOM TOES
Disco: We are ever so clean
Sello: Sunbeam
Año: 1967

De la web: “Blossom Toes era una banda británica que cultivaba la psicodelia y en el año 1967 debutó el álbum a tratar, We are ever so clean. Procedía de una formación R&B/Beat llamada The Ingoes que no consiguió éxito alguno, ni tan siquiera a nivel de público. Tras fichar con el famoso empresario Giorgio Gomelsky (responsable de los primeros Stones y manager de Soft Machine y The Yardbirds entre otros) que curiosamente se fijó en ellos y probar como todo buen inglés de la época el LSD, cambiaron radicalmente su sonido. Este hombre además fue quien les hizo sustituir su nombre por el de Blossom Toes durante cierta gira parisina donde fueron aclamados.
Este LP es uno de los más bonitos que se editaron durante la psych-era en el Reino Unido, con grandes canciones, que en ocasiones recuerdan a los Kinks de finales de los 60, como ‘I’ll be late for tea’, ‘What’s it for’ o ‘Telegram Tuesday’, el disco aborda temáticas tan típicamente británicas como el té o los parques de la realeza y títulos tan bizarros como ‘Intrepid Balloonist’ o ‘Remarkable Saga of the Frozen Frog’. Con una mayor preponderancia de la orquestación sobre los sonidos tradiciones del rock, la sensación que transmite es de placidez, ensueño y dulzura. Suena como una extraña y perfecta mezcla entre The Bonzo Dog Band, Harpers Bizarre y los primeros Pink Floyd. Todo bien acompañado por una lírica muy trabajada y muy inglesa que contribuyó a, como tantos otros grupos del momento, intelectualizar el rock por decirlo de algún modo”.

Artista: TENNISCOATS
Disco: Tan-Tan Therapy
Sello: Häpna
Año: 2007

Disco colaborativo entre los japoneses de Saya y Takashi Ueno (alias Tenniscoats y que tambien pertenecen a un colectivo musical llamado Maher Shalal Hash Baz) y un grupo sueco llamado Tape, lo que escucharán es como lo que tocarían unos inquietos niños-genio metidos en una pieza llena de instrumentos musicales, mayormente raros: melodías pop tratadas como una experimentación electroacústica.

Artista: FINK
Disco: Distance & Time
Sello: Ninja Tune
Año: 2007

De la web: “Finian Greenhall es una nueva promesa del indie/folk. Directo desde Bristol viene con su guitarra y nuevo trabajo promete. Muchísimas similitudes con José González y porqué no decirlo con la onda vocal de Chris Martin(Coldplay) .
En Distance & Time Greenhall está desnudándose completamente a nivel emocional con sus letras, mostrando todo lo que atraviesa su mente conflictiva donde a través de abstracciones del lenguaje lleva su introversión a excelsas texturas musicales. Escenarios imaginarios pero totalmente sustentados en vivencias propias le dan un toque existencialista oscuro pero que va adquiriendo mutaciones donde uno termina esbozando una sonrisa en cada track.
Finian manifiesta que no es un perdedor en el amor ni nada que se le parezca, pero encuentra un placer inevitable, en poder complicar y dramatizar todas sus letras. Un masoquismo que transmite energía. Unos toques dark en su folk/Indie.
Música para emocionarse con una sonrisa melancólica.”

Artista: ROLAN VEGA
Disco: Documentary
Sello: Community Library
Año: 2007

Álbum debut de este polifacético artista, compilado de bandas sonoras para cortometrajes y que paga tributo al uso de sintetizador análogo de una manera alienígena, como estableciendo contacto del tercer tipo. Fanáticos del rock progresivo de mediados de los 70 se darán un festín con lo que van a escuchar, muy pegado por cierto. Otros donde investigar: Tangerine Dream o Cluster.

Artista: POPOL VUH
Disco: Hosianna Mantra
Sello: SPV
Año: 1972

De la web : (por Cesar Mendoza , http://dlsi.ua.es ) Popol Vuh es, ante todo, Florian Fricke y la gente que en ese momento este colaborando con el en las concretizaciones de sus ideas musicales de turno. En este caso, el guitarrista Conny Veit entra para ejercer el rol de socio eficaz con sus punteos y texturas, mientras que la cantante coreana Djong Yung hace lo propio a lo largo de los abundantes pasajes intimistas que inundan este disco. Se trata del tercer trabajo de Popol Vuh, y el primero en el cual Fricke abandona cualquier teclado eléctrico para concentrarse en los sonidos cristalinos del piano, y ocasionalmente, del clavicordio. Despues de haber explorado con fruición entusiasta los recovecos mas etéreos del Moog (incluso participando como colaborador muy especial en los viajes minimalistas de “Zeit”, una joya crucial dentro de la historia de Tangerine Dream), ahora Fricke prefiere crear paisajes y líneas melódicas básicas en el piano de cola, dejando que la guitarra y la voz salgan al frente la mayor parte del tiempo (cuando no lo hacen el oboe o el violín, de forma ocasional). La presencia de la exótica tambura permite mantener un correlato con el concepto místico del repertorio, un concepto que nos remite al misterio y la distancia de algo lejano que nuestra mente debe hallar con la inversión de un especial esfuerzo. El tema mas extenso es el que titula al disco. En sus 10 minutos de extensión se concentran varios de los momentos más patentemente etéreos del disco, teniendo una vez más a Veit como un co-protagonista de alta categoría. Esta pieza incluye una secuencia de motivos diversos en los cuales a veces encontramos a la voz ejerciendo un rol de efectiva contraparte a los punteos de guitarra. El ultimo minuto y medio instaura un repentino momento de reposo”.