Bitácora: Guitarras encumbradas en cimas y cimas de copas de bosques encantados, plegarias a deidades que habitan en paraísos alados, bailes cacofónicos con sentido crítico, ritmos bajados hasta un brumoso inframundo, una melódica de los dioses y cerrando con experimentación alienígena ulalá.
Artista: SIX ORGANS OF ADMITTANCE
Disco: Time Is Glass
Sello: Drag City
Año: 2024
Al regresar a su casa en Humboldt después de 20 años de vagabundeo, Ben Chasny encuentra nuevas conexiones entre los modos (guitarra punteada, folk silencioso, noise experimental) que han entrecruzado su obra durante mucho tiempo. Como ocurre con todos los mitos griegos, hay varias versiones contradictorias de la historia de Hefesto, pero en cada una de ellas, fue exiliado del paraíso y obligado a trabajar duro en su oficio en la Tierra antes de poder volver a casa, transformado en un dios artesano. Estoy seguro de que Ben Chasny no estaba haciendo afirmaciones tan elevadas cuando le dio el nombre de Hefesto a una canción de su nuevo álbum, pero los paralelismos son evidentes. Cuando Six Organs of Admittance tenía unos años y todavía era bastante divisible por Leo Kottke y la No-Neck Blues Band, Chasny dejó el norte de California como un severo guitarrista de fingerstyle con inclinaciones por los modos asiáticos, el ruido lo-fi y la antigüedad oculta. Después de 20 años de vagabundeo, regresó a Humboldt como un compositor más templado y un artista de sonido superior de amplio alcance. Solo, atrajo las antiguas secuoyas a su alrededor como una cortina y se puso a trabajar en Time Is Glass. En lugar de agregar nuevos experimentos a los que se encuentran dispersos en sus docenas de lanzamientos, los reanudó, utilizando todos los poderes que había acumulado, desde la ventaja especial de donde todo comenzó.
Artista: GANAVYA
Disco: Like the sky I’ve been too quiet
Sello: Native Rebel Recordings
Año: 2024
Del sitio https://marvin.com.mx : “ Nuevo álbum de la india nacida en NY y residente en California, Ganavya, Like the sky I’ve been too quiet es experimentación basada en el jazz y las tradiciones sonoras del sur de la India. Ante el fuego que se aproxima los individuos poco o nada pueden hacer. Algunos optan por la reflexión silenciosa para estar preparados para el final. Ganavya, vocalista y productora, criada en Tamil Nadu y nacida en Nueva York, residente en Irvine, California, busca equilibrio entre los opuestos. Unir realidades separadas y opuestas para lograr el entendimiento humano. Su último trabajo like the sky I’ve been too quiet anexa poesía, instrumentos y sonidos de la India, jazz, un foco meditativo. Siempre todo trenzado por su voz y su técnica de canto carnática, entre el Tamil y el Ingles. Ondula hacía el ambient, el folk, la world music; pero sobre todo hay un drama oculto que se maneja con la placidez de la meditación. La instrumentación orgánica de flautas, bajos, percusiones… se mezcla con detalles drone, sintetizadores y otros asuntos de la tecnología.
Artista: VA (slits, Gang of Four, The Pop Group y más)
Disco: In The Beginning There Was Rhythm
Sello: Souljazz
Año: 2002/2024
El post-punk ha sido un género mainstream durante los últimos 20 años, en gran medida gracias a las bandas revivalistas que rememoraron el sonido que transformó el underground a finales de los años setenta. En aquel entonces, las bandas post-industriales empezaron a combinar el material sucio del punk con el material atrevido del funk o el groove de la música disco, dando como resultado una música que exigía un estilo de baile diferente al del pogo. Puede que ahora parezca obvio, pero en aquella época era algo nuevo que bandas como Cabaret Voltaire se alejaran de los gestos de rock despojados hacia ritmos de caja de ritmos y una creciente disposición a deshacerse de las guitarras en favor de los sintetizadores. Era una época de transición, cuando la new wave todavía no encabezaba las listas de éxitos, y muy pocas de las bandas de In The Beginning There Was Rhythm llegaron a ser estrellas en ese sentido. 23 Skidoo, A Certain Ratio, The Pop Group y The Slits eran demasiado desaliñados para eso (esta última, por cierto, es la única banda femenina en el recopilatorio y cuya canción le da nombre). Prácticamente todos los artistas representados fueron influyentes, aunque de diferentes maneras. Throbbing Gristle pasará a la historia como la banda industrial por excelencia, mientras que The Human League, después de separarse de sus compañeros de armas que luego formaron Heaven 17, se escribieron en la memoria colectiva de los años ochenta con sus éxitos. Otros han demostrado ser notablemente longevos, como A Certain Ratio, cuyo nuevo álbum no se lanzó hasta abril. The Slits tienen la última palabra, porque: “El silencio también es un ritmo”.
Artista: MARIA SOMERVILLE
Disco: All My People
Sello: Autoproducido https://mariasomerville.bandcamp.com/album/all-my-people
Año: 2019
Hay una sensación persistente de aislamiento que subyace en la música de All My People. Un álbum en el sentido más estricto del término, el debut de Maria Somerville somete el medio a su voluntad y crea un mundo en sí mismo, oscurecido por el sonido. All My People es un álbum que te cautiva. Te lleva cada vez más lejos hacia los paisajes sonoros oscuros y profundos que se encuentran en la canción de apertura ‘Eyes Don’t Say It’, cuya base de voces en constante desarrollo y ritmo minimalista prepara el escenario para un disco que es una clase magistral de creación de estado de ánimo, tensión e intriga al difuminar las líneas entre el primer plano y el fondo. La atención de Maria Somerville a los detalles también se presta a esta creación de estado de ánimo. La estructura de All My People se entrelaza desde la música ambiental abstracta de “Undoing” hasta la sensación abierta de alivio que da el suave balanceo de “Dreaming” y de vuelta a los ritmos ominosos, lúgubres y austeros, y a la voz susurrante de “All My People”. Esta lista de canciones ondulante crea un flujo y reflujo palpable dentro del disco que da como resultado el hilo cohesivo general que lo mantiene todo unido. Hay mucho que desentrañar en All My People. Aunque Somerville trabaja con sonidos alternativos, minimalistas y electrónicos de una manera dinámica y que llama la atención. El disco en su conjunto es discreto, esto se debe en gran parte a la interpretación vocal silenciosa de Somerville en todo momento. Su voz está en todas partes en el álbum, pero nunca domina, sino que se entrelaza con la producción para convertirse en parte del entorno general sin que este la ahogue. Este enfoque se aprecia mejor en el tema que cierra el álbum, “Brighter Days”, donde la voz inquietante descansa ligeramente detrás de un ritmo que marca el ritmo, casi apoyándolo y convirtiéndose en parte del telón de fondo que se suma a la atmósfera oscura y brumosa.
Artista: AUGUSTUS PABLO
Disco: Dubbing With the Don
Sello: Jamaican Recordings
Año: 2001/2015/2024
Viaje de regreso de la entonces exclusiva versión del maestro de la melódica (2001) extraída directamente de las cintas maestras producidas por el maestro, Bunny Lee. Extraído de raras caras B, dubplates inéditos y grabaciones de sesión más humeantes que nunca habían visto la luz del día en su lanzamiento original en 2001, ‘Dubbing With The Don’ desfila con un conjunto apropiadamente inquietante de trod, step y skank pesados aliviados por la melódica, el órgano, el piano y el clavinet atemporales y expresivos de Pablo. Un elenco estelar -Aston “Family Man” Barrett y Robbie Shakespeare al bajo, Carlton Barrett a la batería, Chinna a la guitarra y Bobby Ellis a la trompeta- marcan los ritmos, doblados hasta los topes por Bunny Lee, para que Pablo se eleve sobre ellos y calme al sueco, en particular en versiones (entonces inéditas) de “Cassava Piece”, aquí como “Sweet Cassava (Dub)” con bajos atronadores y preñada de cortes, o la versión recursiva de cámara de eco asesina de “King Tubby se encuentra con Rockers Uptown”, rebautizada como “Rockers Downtown”, con Pablo volando como un pájaro aturdido por la fruta fermentada en “Well Frozen” (Dub)”, o sobre explosiones ácidas locas y un arrullo doo wop en “Talking Dub”, la difusión del soul duppy “Death Trap (Dub)” y un lúgubre “Pablo Express”.
Artista: ANNE GUILLIS
Disco: Aha
Sello: La Scie Dorée
Año: 1984/2024
Publicado originalmente en 1984, “Aha” de la vanguardista francesa de culto Manon Anne Gillis es una obra maestra menos conocida que combina experimentos concretos con cintas en un vertiginoso trabajo de sintetizador cósmico y sesiones de voz arcanas y prolongadas. Es una gran recomendación para cualquiera que se sienta atraído por Ghédalia Tazartès, Meredith Monk, Robert Ashley o incluso Throbbing Gristle. Cuando se tomó un descanso de más de 25 años en 1994, después de publicar “Euragine”, Gillis dejó atrás un catálogo singular y poco convencional que complementaba su trabajo como fotógrafa, escritora e intérprete. Comenzó a grabar a principios de los 80, inicialmente bajo el apodo de Devil’s Picnic, y atravesó el búnker de las ondas cósmicas/minimalistas con el genial “Pomme Ou Pas Pomme”. Gillis pronto abandonó ese proyecto para grabar bajo su propio nombre, aumentando sus oscilaciones con experimentos vocales crípticos, loops de cinta desmoronados y detritos sampleados. Su tercer álbum como Anne Gillis, ‘Aha’, fue el más intransigente hasta ese momento; incluso su disonante predecesor ‘Lxgrin’ tenía algunas referencias a su pasado, con sus loops de beatbox chisporroteantes y gestos pop sobremuestreados.
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