Podcast Programa lunes 4 de noviembre de 2024

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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

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Programa lunes 4 de noviembre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Empezamos de a poco a develar el segundo de los actos -artistas amigxs de Perdidos- que estarán en nuestro cumple 29 años 1 cuarto, 14 de diciembre en La Perrera. Y tenemos más creaciones 2024, unas muy tristes y otras más luminosas. Este es el potpurrí.

Artista: DADALÚ
Disco: Cerros
Sello: Kakakids
Año 2023

Dadalú es una reconocida cantante y compositora chilena, destacada por su capacidad para fusionar diversos géneros musicales y crear un sonido único y original. Activa en la escena musical desde 2003, ha trabajado tanto como solista como en colaboraciones con grupos como Colectivo Etéreo, Chica Kingkong y Juliarose. Su carrera se caracteriza por una profunda independencia artística: no solo produce sus propias canciones, sino que también compone los beats y las letras de sus temas. Su presencia en vivo es otro de sus puntos fuertes, lo que le ha permitido realizar giras tanto en Chile como en el extranjero. Dadalú ha sido reconocida internacionalmente, obteniendo convocatorias prestigiosas como el Gonzervatory, lo que subraya su impacto fuera de las fronteras chilenas. Hasta la fecha, ha lanzado tres discos: Periodo en 2011, Gato Naranja y Perro Amarillo en 2014, y El Mapa de los Días en 2020, además de varios EPs, como Jevi EP y Lo Bajo EP en 2014, Lanalhue EP en 2020, y el single Objeto de Deseo en 2019. Además de su música, Dadalú ha dejado su huella en el ámbito audiovisual, creando la banda sonora de la serie infantil Juguetes Desordenados y componiendo música original para la película Las Demás, dirigida por Alexandra Hyland. Su interés por las artes también se extiende a la educación artística, donde ha compartido sus conocimientos, y a la incorporación de elementos visuales en sus presentaciones, como el uso de bordados en arpillera. En resumen, Dadalú es una artista completa y versátil que ha sabido consolidarse como una de las figuras más destacadas de la escena musical chilena, gracias a su talento, independencia y creatividad.

Artista: THOM YORKE
Disco: Confidenza
Sello: Xl
Año: 2024

Del sitio https://www.mondosonoro.com “Esta es la segunda banda sonora completa de Thom Yorke, tras la de “Suspiria” (Luca Guadagnino, 18), y lo cierto es que amplía su rango expresivo respecto a aquella. Una veta más por explorar en la mente de un músico que seguramente ahora diversifica su caudal expresivo en más direcciones que nunca, si tenemos en cuenta también los dos notables trabajos publicados con The Smile. Habría que escuchar esto en sincronía con la película, claro, para encajar estos doce cortes en toda su hondura, porque apenas sabemos de “Confidenza” (Daniele Luchetti, 24) que se basa en la novela homónima de Domenico Starnone, que narra el affaire entre un profesor de secundaria y una ex alumna suya, hasta que esta le cuenta un secreto que nadie le había confesado: ese debe ser el meollo de la película. Y poco más. Podemos intuir que este halo de misterio tiene justificación en aquella trama. Porque solo hay un par de cortes con voz, que podrían recordar (aunque remotamente) a Radiohead: “Knife Edge”, con aires de nana, y “Four Ways”. (Knife Edge es de esas canciones comodines que aparecen cuando menos te lo esperas, coincidencia rara para el momento que puedas estar viviendo, de esas casi epifanías, bueno, cuántas canciones caen en esa categoría en tu vida, más de 5 a lo menos). El resto del minutaje brota diverso, con lucidos arreglos de cuerda y viento, cortesía de la London Contemporary Orchestra, y sin los devaneos electrónicos de su anterior soundtrack, aunque es de nuevo Sam Petts-Davies quien está a la producción. “Big City” me recuerda a Craig Armstrong del mismo modo que “In The Trees” me suena al David Sylvian más experimental. Asoma el free jazz (también figura Tom Skinner en los créditos) en “Letting Down Gently” y en el cacofónico tramo final de una “On The Ledge” que empieza en plan fanfarria balcánica, en una onda similar a “Nosebleed Nuptials”, que también participa de ese aire mediterráneo que a mí me trae a la mente a las bandas de música de los pueblos valencianos en fiestas, por extraño que pueda parecer. “Prize Giving”, con ese aire a big band al servicio de una superproducción cinematográfica de los años cincuenta o sesenta, es quizá la que más se diferencia de un tono general que, en cualquier caso, solo tiene en común lo sinuoso y enigmático de sus melodías

Artista: TIDIANE THIAM
Disco: Africa Yontii
Sello: Sahel Sounds
Año: 2024

El tercer LP de Sahel Sounds del guitarrista senegalés Tidiane Thiam lo une al beatmaker Ndiaye Moctar, quien respalda los floreos ornamentados de Thiam con tambores hipidos y reventados y grabaciones de campo ilusorias. “Africa Yontii”, que significa “África, es el momento” en pulaar, es un álbum esperanzador que sueña con la cooperación y nuevas oportunidades para la juventud del continente. Es un disco que lleva su filosofía en la manga: Thiam ha estado reelaborando sonidos folclóricos de pulaar, como canciones de boda y música de río, durante años, y aquí refresca su concepto con la ayuda de Moctar. El productor de estudio de M.N. Records es más conocido por hacer hip-hop, pero aquí se desliza hacia un nuevo modo, lanzando golpes saturados al estilo de “Grindin” y golpes de bajo staccato en “Néené Africa” y clics amaderados en el sinfónico “Oo Duna”. La forma de tocar de Thiam es expresiva en todo momento; Sin palabras, utiliza su hábil fraseo para cantar, como en ‘Malisadio’, una de las composiciones más cautivadoras del álbum, sin acompañamiento. En ‘Yangue’, se deja llevar por un ritmo alegre, tocando con la guitarra eléctrica de Samba Ba y la calebasse de Alioune Ba, mostrando su virtuosismo con un guiño sutil. De todos los álbumes que se lanzaron en 2020, pocos fueron más oportunos que Siftorde de Tidiane Thiam. La interpretación cruda y meditativa del guitarrista senegalés contrastó marcadamente con un caos sobre el que, honestamente, ya se ha derramado suficiente tinta. Con la calidad de grabación de campo como característica definitoria, escuchar que el siguiente trabajo de Thiam, Africa Yontii, sería un álbum de estudio completo no fue exactamente preocupante (con un trabajo de guitarra tan bueno como el suyo, es difícil preocuparse demasiado por el resultado final), pero había una pregunta sobre cómo este nuevo espacio expandiría el alcance de su música. En realidad, son los cambios más sutiles los que llevan a Africa Yontii a un nuevo nivel.

Artista: WILL GREGORY MOOG ENSEMBLE
Disco: Heat Ray – The Archimedes Project
Sello: Mute
Año: 2024

Heat Ray: The Archimedes Project es un álbum inspirado en la obra del matemático, físico, ingeniero, astrónomo e inventor griego Arquímedes, interpretada en sintetizadores analógicos por el Will Gregory Moog Ensemble con la Orquesta Nacional de la BBC de Gales. Will Gregory es el músico ganador del premio Ivor Novello, productor y cocreador de Goldfrapp y el Moog Ensemble ha estado actuando junto desde 2005. Mientras que la mayoría de los sintetizadores digitales modernos son relativamente consistentes en su sonido, los sintetizadores analógicos tienen una personalidad propia. Pueden verse afectados por la temperatura y vienen con maravillosa tecnología antigua como tubos de vacío, potenciómetros, válvulas y circuitos que pueden ser recalcitrantes. Pero cuando están de humor, producen gloriosos swoops, pitidos, arpegios metronómicos, phasing chirriante o mareado, todo lo cual puede sonar simultáneamente vintage y moderno; como una nave espacial hecha de madera y latón. Los nombres de los instrumentos ya son evocadores: Minimoog, Moog Voyager, Moog Sub 37, Korg 700s, Roland Promars Compuphonic, Prophet 6 y Roland JX3P. Los títulos de las pistas se inspiran en las numerosas invenciones de Arquímedes, como el tornillo, el rayo de calor y la garra, que inspiraron “espirales de melodía, estructuras circulares, secuencias y patrones”. El álbum recorre los exuberantes pastos de las bandas sonoras y la composición clásica, remontándose a pioneros de la electrónica como Delia Derbyshire y Wendy Carlos y a compositores más modernos como John Carpenter. El uso de la Orquesta Nacional de Gales de la BBC en pistas como “The Claw” evoca todo tipo de recuerdos de las partituras de Bernard Herrmann, como Jason y los Argonautas, con metales audaces, instrumentos de viento traviesos, cuerdas crecientes, pizzicatos y la duplicación de notas de sintetizador de bajo con timbales al principio es pura genialidad. Los suaves pulsos al comienzo de ‘Archimedes’ Screw’ son como gotas de lluvia electrónicas que se acumulan hasta formar un torrente de componentes electrónicos en colisión; una descripción musical perfecta para la invención cuyo eje cilíndrico y tornillo interno giran para levantar agua. ‘Heat Ray’ logra transmitir la intensidad de la energía solar enfocada y el arco del sol; como tener una granja solar apuntando directamente hacia ti, y ‘The Sand Reckoner’ es lo más cercano a cómo imagino que las matemáticas se traducirían en sonido que puedes llegar a estar.

Artista: LORENA ÁLVAREZ & ALEJANDRO PALACIOS
Disco: Paisajes para torcer el reloj
Sello: Not Not Fun Records

Lorena Álvarez & Alejandro Palacios, es un dúo chileno de música instrumental improvisada, en el que ella se encarga de los teclados y él de la trompeta, la guitarra eléctrica y los efectos electrónicos. Coincidieron artísticamente por primera vez en 2022 en Nieve & Smog, un ciclo de residencias musicales creado en Santiago de Chile en 2016. Después de un mes de trabajo en la residencia, en abril de 2022 ofrecieron su primer concierto público y una semana después de dicho concierto grabaron las seis piezas que conforman los casi cincuenta minutos de duración de “Paisajes Para Torcer al Reloj”, publicado a través del sello californiano Not Not Fun Records. Simplificando mucho, su propuesta conjunta entra dentro del ámbito del downtempo, por su sonoridad ambient y el ligero patrón rítmico que lo acompaña. De hecho, en su caso, entre los referentes que sobrevuelan su trabajo pueden figurar tanto Jon Hassell como Robin Guthrie. Ellos, por su parte, incluyen, además, entre sus influencias a Terry Riley y Don Cherry. El álbum comienza con la pieza que da título al disco, de poco más de trece minutos de duración. Esta y la última, “Los dorados pantanos infinitos”, de longitud similar, son las más largas del disco. Y todas están elaboradas sobre bucles que se repiten hipnóticamente. Pero al contrario de lo que entendemos habitualmente como downtempo –del que tal vez podrían ser ejemplos canónicos Bonobo o Boards Of Canada–, en vez de ritmos suaves y sedosos y delicados samples jazzy, lo que encontramos es un premeditado sonido lo-fi. Recordemos: no es una grabación de concierto en directo realizada con pocos medios, sino un trabajo elaborado días después de su debut. Hay, en realidad, algo de primitivo y rugoso en su sonoridad, como una niebla perversa que esconde amenazas inciertas. Se diría, incluso, que se ha grabado buscando una resonancia amenazante, como la de un túnel, una cueva o una cisterna de agua abandonada, como la Dan Harpole que empleó Pauline Oliveros para experimentar con reverberaciones.
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Podcast Programa lunes 28 de octubre de 2024

DESCARGA(lunes 28): Aquí o https://www.mediafire.com/perd241028.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Programa lunes 28 de octubre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Guitarras encumbradas en cimas y cimas de copas de bosques encantados, plegarias a deidades que habitan en paraísos alados, bailes cacofónicos con sentido crítico, ritmos bajados hasta un brumoso inframundo, una melódica de los dioses y cerrando con experimentación alienígena ulalá.

Artista: SIX ORGANS OF ADMITTANCE
Disco: Time Is Glass
Sello: Drag City
Año: 2024

Al regresar a su casa en Humboldt después de 20 años de vagabundeo, Ben Chasny encuentra nuevas conexiones entre los modos (guitarra punteada, folk silencioso, noise experimental) que han entrecruzado su obra durante mucho tiempo. Como ocurre con todos los mitos griegos, hay varias versiones contradictorias de la historia de Hefesto, pero en cada una de ellas, fue exiliado del paraíso y obligado a trabajar duro en su oficio en la Tierra antes de poder volver a casa, transformado en un dios artesano. Estoy seguro de que Ben Chasny no estaba haciendo afirmaciones tan elevadas cuando le dio el nombre de Hefesto a una canción de su nuevo álbum, pero los paralelismos son evidentes. Cuando Six Organs of Admittance tenía unos años y todavía era bastante divisible por Leo Kottke y la No-Neck Blues Band, Chasny dejó el norte de California como un severo guitarrista de fingerstyle con inclinaciones por los modos asiáticos, el ruido lo-fi y la antigüedad oculta. Después de 20 años de vagabundeo, regresó a Humboldt como un compositor más templado y un artista de sonido superior de amplio alcance. Solo, atrajo las antiguas secuoyas a su alrededor como una cortina y se puso a trabajar en Time Is Glass. En lugar de agregar nuevos experimentos a los que se encuentran dispersos en sus docenas de lanzamientos, los reanudó, utilizando todos los poderes que había acumulado, desde la ventaja especial de donde todo comenzó.

Artista: GANAVYA
Disco: Like the sky I’ve been too quiet
Sello: Native Rebel Recordings
Año: 2024

Del sitio https://marvin.com.mx : “ Nuevo álbum de la india nacida en NY y residente en California, Ganavya, Like the sky I’ve been too quiet es experimentación basada en el jazz y las tradiciones sonoras del sur de la India. Ante el fuego que se aproxima los individuos poco o nada pueden hacer. Algunos optan por la reflexión silenciosa para estar preparados para el final. Ganavya, vocalista y productora, criada en Tamil Nadu y nacida en Nueva York, residente en Irvine, California, busca equilibrio entre los opuestos. Unir realidades separadas y opuestas para lograr el entendimiento humano. Su último trabajo like the sky I’ve been too quiet anexa poesía, instrumentos y sonidos de la India, jazz, un foco meditativo. Siempre todo trenzado por su voz y su técnica de canto carnática, entre el Tamil y el Ingles. Ondula hacía el ambient, el folk, la world music; pero sobre todo hay un drama oculto que se maneja con la placidez de la meditación. La instrumentación orgánica de flautas, bajos, percusiones… se mezcla con detalles drone, sintetizadores y otros asuntos de la tecnología.

Artista: VA (slits, Gang of Four, The Pop Group y más)
Disco: In The Beginning There Was Rhythm
Sello: Souljazz
Año: 2002/2024

El post-punk ha sido un género mainstream durante los últimos 20 años, en gran medida gracias a las bandas revivalistas que rememoraron el sonido que transformó el underground a finales de los años setenta. En aquel entonces, las bandas post-industriales empezaron a combinar el material sucio del punk con el material atrevido del funk o el groove de la música disco, dando como resultado una música que exigía un estilo de baile diferente al del pogo. Puede que ahora parezca obvio, pero en aquella época era algo nuevo que bandas como Cabaret Voltaire se alejaran de los gestos de rock despojados hacia ritmos de caja de ritmos y una creciente disposición a deshacerse de las guitarras en favor de los sintetizadores. Era una época de transición, cuando la new wave todavía no encabezaba las listas de éxitos, y muy pocas de las bandas de In The Beginning There Was Rhythm llegaron a ser estrellas en ese sentido. 23 Skidoo, A Certain Ratio, The Pop Group y The Slits eran demasiado desaliñados para eso (esta última, por cierto, es la única banda femenina en el recopilatorio y cuya canción le da nombre). Prácticamente todos los artistas representados fueron influyentes, aunque de diferentes maneras. Throbbing Gristle pasará a la historia como la banda industrial por excelencia, mientras que The Human League, después de separarse de sus compañeros de armas que luego formaron Heaven 17, se escribieron en la memoria colectiva de los años ochenta con sus éxitos. Otros han demostrado ser notablemente longevos, como A Certain Ratio, cuyo nuevo álbum no se lanzó hasta abril. The Slits tienen la última palabra, porque: “El silencio también es un ritmo”.

Artista: MARIA SOMERVILLE
Disco: All My People
Sello: Autoproducido https://mariasomerville.bandcamp.com/album/all-my-people
Año: 2019

Hay una sensación persistente de aislamiento que subyace en la música de All My People. Un álbum en el sentido más estricto del término, el debut de Maria Somerville somete el medio a su voluntad y crea un mundo en sí mismo, oscurecido por el sonido. All My People es un álbum que te cautiva. Te lleva cada vez más lejos hacia los paisajes sonoros oscuros y profundos que se encuentran en la canción de apertura ‘Eyes Don’t Say It’, cuya base de voces en constante desarrollo y ritmo minimalista prepara el escenario para un disco que es una clase magistral de creación de estado de ánimo, tensión e intriga al difuminar las líneas entre el primer plano y el fondo. La atención de Maria Somerville a los detalles también se presta a esta creación de estado de ánimo. La estructura de All My People se entrelaza desde la música ambiental abstracta de “Undoing” hasta la sensación abierta de alivio que da el suave balanceo de “Dreaming” y de vuelta a los ritmos ominosos, lúgubres y austeros, y a la voz susurrante de “All My People”. Esta lista de canciones ondulante crea un flujo y reflujo palpable dentro del disco que da como resultado el hilo cohesivo general que lo mantiene todo unido. Hay mucho que desentrañar en All My People. Aunque Somerville trabaja con sonidos alternativos, minimalistas y electrónicos de una manera dinámica y que llama la atención. El disco en su conjunto es discreto, esto se debe en gran parte a la interpretación vocal silenciosa de Somerville en todo momento. Su voz está en todas partes en el álbum, pero nunca domina, sino que se entrelaza con la producción para convertirse en parte del entorno general sin que este la ahogue. Este enfoque se aprecia mejor en el tema que cierra el álbum, “Brighter Days”, donde la voz inquietante descansa ligeramente detrás de un ritmo que marca el ritmo, casi apoyándolo y convirtiéndose en parte del telón de fondo que se suma a la atmósfera oscura y brumosa.

Artista: AUGUSTUS PABLO
Disco: Dubbing With the Don
Sello: Jamaican Recordings
Año: 2001/2015/2024

Viaje de regreso de la entonces exclusiva versión del maestro de la melódica (2001) extraída directamente de las cintas maestras producidas por el maestro, Bunny Lee. Extraído de raras caras B, dubplates inéditos y grabaciones de sesión más humeantes que nunca habían visto la luz del día en su lanzamiento original en 2001, ‘Dubbing With The Don’ desfila con un conjunto apropiadamente inquietante de trod, step y skank pesados aliviados por la melódica, el órgano, el piano y el clavinet atemporales y expresivos de Pablo. Un elenco estelar -Aston “Family Man” Barrett y Robbie Shakespeare al bajo, Carlton Barrett a la batería, Chinna a la guitarra y Bobby Ellis a la trompeta- marcan los ritmos, doblados hasta los topes por Bunny Lee, para que Pablo se eleve sobre ellos y calme al sueco, en particular en versiones (entonces inéditas) de “Cassava Piece”, aquí como “Sweet Cassava (Dub)” con bajos atronadores y preñada de cortes, o la versión recursiva de cámara de eco asesina de “King Tubby se encuentra con Rockers Uptown”, rebautizada como “Rockers Downtown”, con Pablo volando como un pájaro aturdido por la fruta fermentada en “Well Frozen” (Dub)”, o sobre explosiones ácidas locas y un arrullo doo wop en “Talking Dub”, la difusión del soul duppy “Death Trap (Dub)” y un lúgubre “Pablo Express”.

Artista: ANNE GUILLIS
Disco: Aha
Sello: La Scie Dorée
Año: 1984/2024

Publicado originalmente en 1984, “Aha” de la vanguardista francesa de culto Manon Anne Gillis es una obra maestra menos conocida que combina experimentos concretos con cintas en un vertiginoso trabajo de sintetizador cósmico y sesiones de voz arcanas y prolongadas. Es una gran recomendación para cualquiera que se sienta atraído por Ghédalia Tazartès, Meredith Monk, Robert Ashley o incluso Throbbing Gristle. Cuando se tomó un descanso de más de 25 años en 1994, después de publicar “Euragine”, Gillis dejó atrás un catálogo singular y poco convencional que complementaba su trabajo como fotógrafa, escritora e intérprete. Comenzó a grabar a principios de los 80, inicialmente bajo el apodo de Devil’s Picnic, y atravesó el búnker de las ondas cósmicas/minimalistas con el genial “Pomme Ou Pas Pomme”. Gillis pronto abandonó ese proyecto para grabar bajo su propio nombre, aumentando sus oscilaciones con experimentos vocales crípticos, loops de cinta desmoronados y detritos sampleados. Su tercer álbum como Anne Gillis, ‘Aha’, fue el más intransigente hasta ese momento; incluso su disonante predecesor ‘Lxgrin’ tenía algunas referencias a su pasado, con sus loops de beatbox chisporroteantes y gestos pop sobremuestreados.
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